Catégorie : Danse

         Dimanche dernier, Bastille. Du soleil au vent froid, nous nous engouffrons dans la noirceur de la salle de l’Opéra. Ici surgit un nouveau monde, dès que l’on feuillette le programme, exhalaison de lourdes senteurs qui invitent au voyage. En Inde. L’histoire est celle d’une bayadère qui se refuse au grand prêtre mais se laisse courtiser par un bel (évidemment) homme. Ce dernier s’avère être un prince qui doit obéir au Maharadja et épouser sa fille, Gamzatti. Pour se venger de son rival, le prêtre dénonce l’amour de Solor pour la bayadère, ne se doutant pas que le Maharadja va sévir la bayadère plutôt que l’amant. Gamzatti qui a surpris la conversation entre en contact avec sa rivale et tente de la faire renoncer à Solor, sans succès. Le mariage a lieu et la bayadère, danseuse sacrée de son état, doit participer aux noces. Mais sa rivale a caché un serpent dans un corbeille de fleur et la morsure lui est fatale –elle refuse en effet le poison offert par le prêtre toujours amoureux. La troisième partie, l’acte blanc est une plongée dans l’hallucination narcotique de Solor. Lui apparaît en songes la bayadère avec qui il danse et danse…
        Ce ballet est d’une richesse inouïe. Les costumes rivalisent d’étoffes précieuses sans jamais être clinquants, (+ vive les accessoires et le tigre attrapé à la chasse pour le Maharadja, je veux le même !) les décors nous transportent immédiatement en Orient, et que dire de la danse… Mêlée de pantomime, elle est à la fois très lisible et très expressive, accessible, me semble-t-il, même à ceux qui ne sont pas balletomanes. Et, rendons à César ce qui lui appartient, la chorégraphie de Noureev est une merveille. Merveille sublimée par les danseurs… Agnès Letestu était la Bayadère. Délicatesse, maîtrise, finesse, passion, retenue sont autant de nuances à sa palette. Elle s’impose sans jamais en imposer par une seule solide technique. Sa force est toute de présence et d’interprétation, particulièrement dans le deuxième acte (et le premier aussi, dans la danse avec l’amphore –c’est quand même plus poétique que de dire cruche, non ?). Epoustouflante de sincérité elle est en total accord avec Solor, José Martinez, qui se montre non moins splendide que sa partenaire. Il habite le rôle comme la scène et son plaisir de danser est communicatif : il est particulièrement éclatant dans des grands jetés qui semblent être d’immenses bons dans la joie. ( Pour ceux qui n’auraient pas compris, ce couple était woww !)
         Les rôles secondaires doivent avoir leur part de compliment et non seulement être mentionnés. Emmanuel Thibaut est parfait dans le rôle de l’idole dorée qui lors du mariage, danse cette si difficile variation. Il a été, à l’image de son costume, étincelant.

L’esclave de Solor, incarné par Karl Paquette, était d’une grande expressivité. J’ai découvert ce danseur dans un tout autre registre que celui où je l’avais déjà vu, et je dois dire que je suis toujours aussi enchantée et j’aimerais beaucoup qu’il soit nommé étoile (de même pour Emmanuel Thibault, est-il besoin de le préciser ? Mais ce dernier plaît rapidement pour sa technique et sa fougue et je suis sûre qu’il sera un jour reconnu comme artiste, tandis que j’appréhende un peu qu’on ne prenne le talent de Karl Paquette à sa juste valeur – cette parenthèse vous ennuie ? n’ai-je pas le droit, moi aussi, de m’incliner devant mes idoles dorées ?).
Stéphanie Romberg tenait le rôle de Gamzatti. Elle m’a malheureusement parue peu sûre d’elle techniquement. Enfin, remettons les choses dans leur contexte : le rôle est affreusement dur et il n’est pas facile d’être aux côtés d’une danseuse étoile confirmée. Elle s’en sort par sa présence scénique et un jeu qui laisse apparaître une forte personnalité. Je préfère mettre les hésitations techniques sur le compte de la fatigue et garder une bonne image de cette danseuse que j’ai adorée par ailleurs –dans le rôle de la mère de la petite danseuse de Degas, pour ne citer que le dernier…            
           N’oublions pas également les élèves de l’école de danse ni surtout le corps de ballet, toujours d’une précision d’horloger, qui cisèle la musique de sa danse. (mis à part une danseuse qui devait être une remplaçante et copiait ses camarades, parfois au risque d’un retard ; et d’une chute de perroquet dans la danse… des perroquets. ) Mais alors, ce qui était totalement envoûtant était la descente des ombres. Toutes les femmes du corps de ballet s’avancent sur scène en tutus blancs et voiles légers qui donnent une grande fluidité aux bras. Posé, arabesque pliée, posé, cambré en arrière, marche, marche, posé, arabesque pliée, posé, cambré en arrière, marche, marche, posé, arabesque pliée. Cela paraît mécanique dit comme cela mais si vous pouvez vous figurer le moelleux des arabesques, le mouvement des cambrées et l’avancée des danseuses en un long serpent lumineux… vous verriez à quel point ce passage est envoûtant. Hypnotique même, puisque dans la semi pénombre qui règne sur le plateau, le blanc se détache d’une manière particulièrement lumineuse, presque éblouissante, faisant des ombres ( !) des êtres fantomatiques. Hypnotique je vous dis. Et sur cette vision idyllique que je vais vous laisser (comment ça, enfin ?), vous rare lecteur a n’avoir pas zappé la totalité de cette longue note.
            Pour ceux qui ne viennent ici que pour lire la fin, voici le résumé totalement dénué d’intérêt : La Bayadère est le grand ballet classique que j’ai préféré.

 

P.S. Je viens de trouver un article sans prétention, pas mal pour ceux qui éprouveraient le besoin de jeter un coup d’oeil rapide sur une part du monde chorégraphique actuel : ici.

(Pour une vraie critique (pas la mienne donc), c’est par ici.)

         Intro
Je prends place dans la corbeille, d’on l’on a une assez bonne vue. Par chance, le champ est libre devant nous et l’ouvreuse nous fait signe (non, pas cygne !) quelques secondes avant le début de nous avancer. On se retrouve en plein milieu. Voilà qui commence bien. L’introduction éclate, rideau fermé, la musique nous plonge dans l’univers de Tchaïkovski. Autant le dire dès à présent avant que je n’oublie. La musique était superbe, par elle-même certes oui puisqu’il s’agit d’un chef-d’œuvre, mais elle était particulièrement bien rendue par les musiciens et la chef d’orchestre (plutôt rare, une femme, non ?). C’est la première fois que je remarque la musique. D’habitude, cela semble couler de source, la musique jaillit, les danseurs se meuvent par-dessus. Mais là, la musique prend un véritable relief. Bravo aux musiciens, en un mot.

         Acte I
Le rideau -orné d’un cygne en plein vol- se lève. Au milieu de la scène, un lit immense, orné d’une énorme couronne typically British. Le prince ouvre les yeux, d’une mimique très véridique et le ballet de la cour commence. Les femmes de chambre et les majordomes défilent. C’est ordonné mais incessant, part en toutes directions. A peine réveillé le prince est saisi, pomponné habillé de tous côtés et prêt avant que la journée n’est véritablement démarrée. Vite rejoint par la reine, le protocole commence. Pas de danse à proprement parler mais un ballet incessant, une mise en scène bien construite. Le lit se retourne et devient par l’habileté du décorateur une tribune d’où les deux membres de la famille royale font signe à leurs admirateurs. Jeu de scène amusant des groupies royales qui se déplacent avec la corde rouge qui marque habituellement les fils d’attente. Sortes de soldats également. Les deux descendant et la cérémonie continue. La reine tire sur une bouteille-corde, des banderoles ornées de la couronne se déroulent sur le Hourra, bien anglais des marin’s. Re-saluts. Amusement du prince qui s’endort et désynchronise les petits mouvements de main. Puis apparaît la starlette, future princesse. Habillée de rose dans une robe courte et bouffante, perlée elle est à l’opposé de la retenue qu’impose l’étiquette. Elle plaît au prince mais pour la reine, c’est niet. La reine va tout de même se laisser fléchir et la jeune pimbêche donne lieu à toutes sortes de situations comiques à la scène suivante. La reine mère et la princesse starlette sont à l’opéra. Le décor très habilement conçu permet de voir, côté jardin le ballet auquel

elles assistent et leur loge, côté cour. Le ballet est décapé et fait l’objet d’une satire burlesque. Amusant même s’il fait un peu grincer les dents et ne contribue pas à ôter ce préjugé sur la danse classique. Histoire de princesse les pieds flexs, environnée de papillons mièvres. Bûcheron bien lourdaud qui se ramène. Jeu de scène d’une délicatesse absolu- j’aime quand la princesse part sur la pointe des pieds en étant aussi légère qu’un éléphant. Le début du manège du bûcher n’est pas mal non plus, avec la tête qui tourne en tous sens. Explosion retentit (ça me fait penser à la chorégraphie Papillon où Emma Livry perdit la vie, son costume ayant pris feu) mais apparaissent des trolls- arbres qui effraient la chaste et pure princesse par un comportement obscène. I’m shocked ! My Godness ! Le spectacle est plus réjouissant côté cour avec la loge royale. La starlette rose –bonbon ne cesse de commettre des impairs. Avance sa chaise de manière à ce que tout le théâtre en profite ; cherche à comprendre l’histoire, pourtant simplette en tournant le livret comme un enfant son livre d’images. Fait retentir son téléphone portable – un moment de flottement dans la salle – et arrête la musique pour finalement faire tomber son sac du soir doré sur scène. Mimique de la reine successivement outrée, exaspérée, indignée et désespérée.

La scène suivante nous sort du comique. Nous sommes dans les appartements du prince qui, seul, face à son miroir boit. La reine, en logue robe blanche survient, demande ce que cela signifie. Le prince, d’abord malheureux devient fou, il violente sa mère, la soulève, la brutalise jusqu’à ce qu’abattu, il finisse par la laisser s’échapper. La dépravation du prince continue scène suivante au Swank (drank ?) bar. Mélange de marins homosexuels, de starlettes, de prostituées en porte-jartelle et d’un danseur disco, pantalon orange et perruque choucroute sur la tête. Le prince essaie d’attirer sa starlette mais ne réussit qu’à se faire expulser du bar après quelques danses endiablées dans le plus pur style du music-hall. Rejeté, il assiste à la sortie successive de tous les danseurs qui tiennent plus ou moins debout. Mal dans sa peau, seul sur le trottoir, le prince nous offre les premiers moments de véritable danse avec de beaux sauts parfois terminés en une chute au sol (je ne peux m’empêcher de penser aux bleus qu’il a du se payer en répétition). Le secrétaire particulier qui veille au grain sort lui aussi du bar et le prince se cache sous son manteau pour passer inaperçu. Il n’échappe cependant pas à un paparazzi. 

                                          

           

             L’acte II se passe de nuit dans un parc publique. La lune en arrière plan, ronde et blanche nous renvoie au mythe du loup-garou et suggère le temps de la métamorphose (mais non, mais non, je ne suis pas obsédée par Ovide tsk !). Les barrières surmontées de pics suggèrent cet univers de château hanté tout en évoquant un peu un cimetière. Lieu étrange donc, pour un acte qui ne l’est pas moins. Seul sur un banc, le prince récupère un papier dans une poubelle, griffonne quelques mots qu’il accroche au réverbère puis semble vouloir en finir en se jetant dans le lac (un prince digne de ce nom ne devrait-il pas savoir nager ?). Mais un cygne immense apparaît et l’en empêche. Le banc glisse vers les coulisses pour laiss
er le champ libre au corps de ballet masculin, tous devenus cygnes. Epatant, à l’exception du cygne principal contre lequel j’ai quelques réticences que j’expose rapidement pour en revenir à la délicieuse chorégraphie : devrait faire quelques abdos pour se débarrasser d’un capiton grassouillet sur le ventre et s’épiler par la même occasion car le rendu visuel n’est pas des plus heureux. Enfin, pour ne pas faire oublier ses magnifiques bras, il devrait penser à tenir ses équilibres (le pied qui oscille n’est excusable que chez les demoiselles qui ont les pointes au pied) et accessoirement tendre ses pointes de pieds qui cassent totalement la ligne du corps.

Tous les cygnes sont vêtus de curieux bermudas de poil (la description porte à rire, mais c’est vraiment pas mal). Les mouvements évoquent bien l’animal même si l’interprétation est plus fondée sur la puissance et la force de l’animal que sa grâce éthérée.  «  Matthew Bourne : « L’idée d’un cygne masculin est tout à fait logique pour moi : la force, la beauté, l’envergure des ailes de ces oiseaux me rappelle la musculature d’un danseur beaucoup plus qu’une ballerine en tutu blanc. La ballerine réussit à suggérer la beauté sereine de l’oiseau qui glisse sur l’eau mais l’une de ces images que nous avons étudiées durant les répétitions était un film au ralenti d’un cygne qui attaquait un petit bateau de pêche (pour protéger ses petits je crois) et c’était terrifiant. Nous voulions exprimer le côté plus violent des cygnes. » En effet, force, violence, fougue mais aussi beauté se dégage de leur danse, composée de nombreux sauts impressionnants. « Je voulais […] tenter de créer quelque chose de beau et de lyrique pour les danseurs tout en laissant leur virilité absolument intacte. Je voulais aussi que les scènes où figurent les cygnes soient chargées de sexualité, de sensualité et d’audace. » Pari tenu. J’ai particulièrement aimé de passage des « quatre petits cygnes » dont certains temps sont scandés avec les pieds (nus).

La classe ! particulièrement pour le brun qui dansait côté jardin et que je n’ai pas réussi à localiser sur le programme. Il faut dire qu’ils sont assez méconnaissable avec la couche de blanc qu’ils ont sur la tête et cette bande noire en haut du front, maquillage très bien trouvé puisqu’il faut ressortir les yeux et leur donne un aspect sombre, dangereux. Beau moment aussi où les cygnes de face font les sauts de chats avec des ondulations de bras comme s’ils nageaient puis de dos, penchés en avant écartent leurs mains jointes puis ondulent puissamment des bras. Wa-oh ! Dernier mouvement, la main qui s’incline en avant puis en arrière sur la musique dont la résonance a été supprimée. Bel effet. Le prince entre peu à peu dans cet univers, se mêle aux cygnes, jusqu’au duo avec le cygne principal. Lorsqu’ils disparaissent, il reste avec un sourire de béatitude, comme s’il avait rencontré quelqu’un qui le comprenait, un univers idéal auquel il essaie d’accéder.

Entracte

           Acte III
Un grand rideau côté cour et l’entrée de la famille royale et des stars avec bien entendu, les fans qui y assistent. Les femmes, toutes en tenues de soirée noires pailletées se retrouvent à l’intérieur du palais, en compagnie de leur cavalier. Sur les côtés, des tables rondes, au fond, un balcon et au mur deux grandes torches tenues par des mains dorées.

Le bal s’ouvre. Virevolte dans tous les sens, bien gentiment, jusqu’à l’arrivée du cygne, relooké en pantalon et veste de cuir, genre mauvais garçon, sui se met vite à jouer la carte de la provocation. Il séduit toutes les femmes les unes après les autres, ce qui donne lieu à de magnifiques portés. Puis il les admire allongé à l’avant-scène dans une position mi-lascive mi-provocative. L’atmosphère s’échauffe, le cygne séduit aussi la reine, qui ma foi ne dit pas non. Bien que la caresse sur toute la longueur du bras ne soit pas le baisemain type, elle ne s’offusque pas. L’atmosphère devient carrément endiablée avec l’une des danseuses qui monte sur la table, devant le cygne. Son cavalier voit rouge, tapote sur l’épaule du cygne puis se recule quand se dernier se retourne et le toise de toute sa hauteur. Le cavalier s’adresse directement à sa danseuse et finit par taper du pied pour qu’elle descende, ce qui n’a pas vraiment l’air de l’émouvoir. Après –ou avant ?- les couples, les danses d’ensemble dans un style très espagnol avec claquement de mains, déhanchés et sauts enthousiastes. Je me demande un instant à quoi correspond ce passage dans le Lac, n’ayant pas en mémoire une quelconque danse espagnole, surtout à ce moment, et réalise que c’est la musique des 32 fouettés. Olé ! L’homme cygne, reprenant son caractère sauvage en même temps que sa bande noire sur le front fait des avances au prince, déchiré entre son amour pour lui et sa peur du ridicule. Ses mouvements saccadés et repliés sur lui-même traduisent très bien son malaise. Pas de deux fait d’attirance répulsion. Le prince finit par être rejeté, et à terre, il est la risée de l’ensemble des danseurs du bal, faisant cercle autour de lui. Il s’enfuit dès que possible. Il revient plus tard, un pistolet à la main avec lequel il menace le cygne et tous les invités. Le majordome, qui veille au grain, réplique immédiatement en le mettant en joute avec un autre pistolet. La starlette amoureuse s’interpose et dans la confusion, c’est elle qui est tuée. Le prince est emmené.

           Acte IV
On le retrouve  dans son lit mais l’on comprend vite qu’il se trouve dans un hôpital psychiatrique. Le médecin entre en blouse blanche, suivi de la mère puis d’une armée d’infirmière. La lumière donne lieu à un magnifique jeu d’ombres qui se projettent sur le mur blanc et créent des géants effrayants, à l’image de ce que représentent pour le prince leur personnage qui viennent d’entrer. Le prince a l’air traumatisé, ses mouvements suggèrent la folie ou du moins une nervosité poussée à son comble.
Alors qu’il est dans son lit, trois cygnes surgissent d’en dessous. Un incessant va et vient se met en place, jusqu’à l’apparition du cygne principal qui surgit de l’intérieur du lit ( !). Il témoigne à nouveau son amour pour le prince. Mais les autres cygnes supportent mal cette relation et attaquent sans pitié. (Peut-être les cris d’animaux féroces étaient-ils de trop, les mouvements traduisant on ne peut mieux la férocité des cygnes.) Le cygne protège le prince, qui paraît bien fragile derrière lui, mais les cygnes grimpent tous sur le lit, les envahissent et finissent par les séparer. Le prince est malmené, sur le point d’être sauvé puis à nouveau encerclé, piétiné, pincé, giflé avec une violence incroyable. Le cygne le retrouve mort, soulève avec sa tête le bras qui retombe comme un objet sans vie. Il le porte dans son lit et disparaît. Sa mère la reine le retrouve gisant sans dessus dessous dans son lit et se lamente sur le corps de son fils tandis qu’apparaît à la fenêtre surplombant le lit, le cygne avec, enroulé dans ses bras, le prince comme si leur amour devait survivre à la mort.

Rideau et aplause aplause aplause….

En résumé, un spectacle réussi, « expressif », drôle même s’il mériterait un peu plus de technique de la part du cygne pour être mis en valeur.

Les soirées de plusieurs ballets s’organisent toujours de façon crescendo. Le clou du spectacle, très attendu, était Carmen. Ce ballet est tout simplement génial.

Le premier tableau introduit les personnages : la bonne humeur des cigarières aux cheveux crêpés est interrompue par une dispute. Carmen et une cigarière en viennent aux mains si bien qu’on alerte Don José, qui est fasciné par la beauté de la rebelle. Carmen s’enfuit, poursuivie par Don José.

Le deuxième tableau se déroule dans une taverne où brigands et filles de mauvaises mœurs se côtoient dans la plus grande allégresse. Le rideau rouge et les lampions suspendus au dessus de la scène créent une ambiance chaleureuse, renforcée par le ballet des chaises. Don José survient et aborde Carmen. Alexis Renaud et Martin Chaix en chefs des brigands font sourire par leurs mimes et dynamisent par leur danse (surtout celui avec la perruque orange – lequel des deux?). Ils délestent Don José de sa bourse avant qu’il enlève Carmen sous la chorale des bandits de c(h)oeur : L’amour – est- enf-ant – de –Bo-hême — qui-n’a jamais – ja-mais – connu – de – loi…  Le tout ponctué par des mouvements de bras des plus expressifs.

Le troisième tableau illustre l’amour entre Carmen et Don José, interrompu par les chefs des brigands qui débarquent dans la chambre pour reprendre Carmen. Bien entendu, Don José ne peut que les suivre.

Le quatrième tableau est plus sombre, au propre comme au figuré. Caché derrière une charrette, les trois chefs brigands et Carmen attendent le meurtre que doit commettre Don José pour prouver son amour. Amour qui n’est malheureusement pas réciproque puisque la (re)belle s’enfuit avec les richesses de l’infortuné voyageur.

Le cinquième et dernier tableau a lieu à l’entrée des arènes. La joyeuse bande s’amuse en attendant l’arrivée des matadors. Dorothée Gilbert est une « brigande » provocante, sûre d’elle et séduisante. La volonté de son personnage se traduit par une technique irréprochable, pleine d’entrain et très assurée, à l’exemple de ses fouettés. Un toréador fait la cour à Carmen, qui, après son entrée dans l’arène est rattrapée par Don José. Il exige des explications qui, bien entendu, lui sont refusées. Don José et Carmen s’affronte alors, tandis que le combat avec le taureau fait rage dans l’arène. Tel le taureau, Carmen défie Don José et se retrouve poignardée. Le désespoir de l’homme est rendu plus criant encore par les chapeaux que les brigands ont lancé pour saluer la victoire du toréador. 
Le corps de ballet était au meilleur de sa forme.  José Martinez est un Don José plein de classe et de style. Il se fait séduisant pour Carmen, hésitant devant le crime à commettre puis fou de douleur lorsqu’il prend le cadavre de sa maîtresse dans ses bras. Ebouriffant.
Mais malgré le talent de Martinez, la star incontestable de la soirée était Lucia Lacarra, qui se produisait en artiste invitée. Elle a un corps merveilleux qu’on dirait sculpté pour la danse. Des bras longs et expressifs, un coup de pied très cambré qui prolonge des jambes fines et interminables, encore mises en valeur par le costume échancré de Carmen. Mais Lucia Lacarra n’est pas une poupée au sourire éclatant. Elle est une véritable interprète qui irradie la scène. Une présence, comme on dit. Cachez- la parmi le corps de ballet, on ne remarque qu’elle… Parfaitement calée sur son personnage, elle se fait tour à tour provocante, séduisante, lascive, défiante et rebelle. Sa performance a été reconnue par le public, qui l’a comblée d’une salve d’applaudissements à la mesure de on talent. Les mains étaient bien rouges à la sortie… l’effet des rappels ! Il faut dire que Lucia Lacarra salue d’une telle façon qu’on a envie de toujours frapper dans ses mains : la prima ballerina absoluta ouvre un bras, puis l’autre, les ramène sur son coeur comme pour dire qu’elle est touchée puis se prosterne.
Une telle soirée donne envie de danser… et Lacarra est si heureuse en scène! Je n’ai pas pu m’empêcher de faire quelques grands jetés en allant chercher la voiture au parking de la place Vendôme.

 

Une soirée au palais Garnier est toujours un véritable enchantement. Après un rapide dîner à la Brioche Dorée la plus proche (ils devraient faire des formules spectacle-dîner), nous entrons dans le temple de la danse et prenons place à bord des baignoires. Décollage imminent au pays des étoiles. J’ai quand même le temps de feuilleter le programme que j’achète à chaque fois, c’est un véritable livre. Hum… déjà l’eau à la bouche.
Le rideau se lève sur l‘Arlésienne. Selon l’argument donné dans le livret, un homme aime une paysanne et souhaite l’épouser mais il apprend par son fiancé qu’elle est déjà engagée et finit par se suicider (bond magistral d’Alessio Carbone, fou de douleur). Les sentiments sont « lisibles » dans la danse mais il manque à mes yeux un élément majeur : à aucun moment le spectateur ne peut supposer l’annonce de l’impossible mariage. Ma petite maman qui m’accompagnait et qui n’a pas eu accès au programme (nous n’étions pas à côté) a interprété l’ensemble comme la traduction de la folie de Van Gogh, aidée en cela par un de ses tableaux en décor. La paysanne serait alors la folie à laquelle le peintre tente de résister. J’aime assez cette idée.  Le ballet, relativement court (trente-huit minutes) est simple comme ses protagonistes. Le corps de ballet s’illustre dans de beaux tableaux, rapprochant et éloignant tout à tour l’homme et la paysanne. Les jeux sur les pointes flex, quelques rondes et surtout les danses en une ligne impeccable ne sont pas sans évoquer certaines danses  traditionnelles.  
Entracte de vingt-cinq minute, juste assez pour échanger ses impressions.

Suit Le jeune homme et la Mort. Le décor est omniprésent, il fait partie intégrante de la chorégraphie et offre de beaux moments comme l’envolée depuis la table renversée, la chute d’une chaise ou les pas esquissés par le jeune homme lorsqu’il se redresse sur son lit. Un décor de théâtre pourrait-on dire. Et il est vrai que le ballet apparaît comme une pièce. Sans parole, certes. Mais qu’est la danse sinon un langage artistique ? Le dialogue des corps occupe l’espace et dessine l’histoire. Une histoire sans vraiment d’action : celle d’un jeune homme, qui attiré et repoussé par une femme est conduit au suicide. Cette situation donne lieu à de formidables portés, à l’instar de celui où Eleonora Abbagnato, en écart suspendu à quelques centimètres du sol se tient aux hanches de Jérémie Bélingard qui ondule latéralement.

Pour une fois, ce n’est pas l’homme qui mène le jeu mais bien la femme. La femme est fatale car séduisante avec sa coupe à la garçonne et ses gants noirs qui tranchent sur la robe jaune. Elle est aussi fatale de par son incarnation de la Mort. Elle dirige son homme, le manipule, le tient par la gorge. Totalement dominé, il suffoque (ou serait-ce un effet de la cigarette qu’elle fume, provocante ?). La femme l’envoie droit à elle – droit à la Mort : il se pend (l’artifice scénique fait frémir). Le décor se soulève alors dans les airs pour faire place à celui des toits de Paris. La Mort, en longue robe blanche et rouge lui enlève la corde du cou. D’une démarche magistrale, le doigt pointé en avant, elle le fait avancer devant elle. Il marche parmi les toits, tel un somnambule. Sa salopette bleue est en totale inadéquation avec le monde qui l’entoure. Un homme malmené par l’amour reste incompris dans un monde de lumières et d’industrie, symbolisé par la tour Eiffel sur laquelle l’enseigne Citroën clignote.

Eleonora Abbagnato a été cynique et cruelle dans son rôle de la Mort. Peut-être aurait-elle pu se montrer un peu plus provocante… Jérémie Bélingard, en revanche, a été totalement déchirant, exprimant parfaitement les états successifs du Jeune homme.

 

De nouveau un entracte de vingt-cinq minutes.