Étiquette : la scala

Ce billet fait partie d’une série de compte-rendus sur Apollo’s Angels, de Jennifer Homans.

Danses de cour à la Renaissance, manières de la cours, commedia dell’arte, danses de l’Antiquité et même habitude de parler avec les mains… le ballet aurait dû être italien. Seulement voilà : veni, vidi et non vici. Histoire d’une success story avortée.

Si, si… non

Alors qu’en France, on s’ingénie à mélanger opéra et ballet, en Italie, on a résolu le problème en séparant les deux une bonne fois pour toutes : les ballets, indépendants, sont calés entre les actes de l’opéra (à un opéra en 3 actes correspondent 2 ballets). N’allez pas croire que la danse est le parent pauvre de la musique ; elle est fort appréciée. Le nombre moyen de danseurs par maison d’opéra est même multiplié par 10 entre 1740 et 1815.

Comme un peu partout, les danseurs italiens viennent des rangs sociaux les plus bas mais, contrairement aux Français, ils ne passent pas par une école et ne cherchent pas à reproduire les manières de l’élite (tout au plus les moquent-ils). Leurs manières, beaucoup plus libres, ne s’embarrassent pas de la hiérarchie qui pèse sur le ballet français. Ils ont pourtant un style affirmé, appelé grotesque en raison de son exagération délibérée. Les artistes italiens, qui excellent dans le mime, les sauts et les tours, sont recherchés dans les cours européennes et leur influence est profonde : le ballet a clairement une dette envers les Italiens.

Pourquoi alors le ballet s’est-il essentiellement développé en France et non en Italie ? La danse italienne est considérée comme inférieure au style noble français : exagérée, manquant de contrôle… elle n’a pas le prestige dont jouit le ballet français – ni sa puissance, conférée par sa concentration dans la capitale. La dissémination des danseurs italiens dans plusieurs villes d’importance encourage la mobilité et la créativité, mais rend également difficile la construction d’un style ou d’une école unifiée. Sans compter que mobilité signifie aussi départ des danseurs les plus talentueux dans les cours de toute l’Europe – un brain drain dansant, en somme.

 

Viganò et le choréodrame

À l’époque, Milan est en transition : la France et l’Autriche se disputent la région, et leurs occupations successives rendent les deux pays également impopulaires. Notre ballet français, on peut se le mettre là où on le pense. Peu à peu émerge l’idée que le ballet pourrait exprimer la vie intérieure du peuple italien.

Le désir de rendre le ballet italien commence avec Angiolini, qui veut élever la danse italienne au rang d’art, « la danza parlante ». Mais il n’est pas assez talentueux et le premier à y parvenir est Salvatore Viganò (1769-1821). Ses productions remportent un franc succès à La Scala de Milan et donnent un prestige nouveau à la danse italienne à l’étranger. Pour Stendhal, Viganò est un génie à l’égal de Rossini.

Doté d’une solide formation littéraire et musicale, Viganò commence sa carrière à Rome dans des rôles de travesti. Il est formé au style français sérieux, mais sa danse est un peu différente de ce qui se fait en France : plus sensuelle et plus… grecque. Il donne avec sa femme des spectacles qui s’inspirent des performances d’Emma Hamilton, laquelle donne vie, par des pantomimes silencieuses, à des galeries de statues antiques (le public joue à retrouver la statue à l’origine).

En 1813 est donné Prométhée. Le ballet de Viganò (dont Beethoven n’est pas satisfait) est grandiose et héroïque. Ses effets spectaculaires ne sont pas gratuits pour autant : le spectacle parvient à évoquer plus largement les thèmes soulevés par l’histoire. Le public est ébahi par l’ampleur des effets scéniques, mais aussi et surtout de ce que le spectacle est composé de pantomime, qui n’est pas le mime familier des grotteschi… mais pas non plus celui du ballet d’action avec son mélange de gestes déclamatoires et de danses françaises décoratives. Un auteur de l’époque forge le terme de coreodramma¹ pour parler de la danse de Viganò.

Viganò élimine les divertissements. L’essentiel n’est pas de mimer une histoire, mais d’exprimer les émotions d’un personnage à travers une gestuelle qui repose sur des motifs de mouvements rythmiques précis (un mouvement, un temps²). Des monologues dansés, en somme. Qui peuvent être juxtaposés : dans cette perspective, un pas de trois est un désordre expressif, où chacun conserve son motif.

Le choréodrame est largement inspiré de l’Antiquité : Viganò emprunte aux danses chorales (on n’en sait pas grand-chose sinon qu’elles étaient dansées par le citoyens en hommage aux dieux) et à la pantomime. L’acteur de pantomime jouait les drames et mythes grecs dans un one man show où il endossait tous les rôles à l’aide de masques. Des gestes conventionnels étaient là pour transmettre les concepts difficiles. Contrairement au mime (joué pieds nus, sans masque et plein de chansons, de plaisanteries, d’acrobaties…), la pantomime était un art cultivé, et ses acteurs-danseurs étaient considérés comme des encyclopédies vivantes. Les ballets de Viganò, aux thèmes grecs et romains, reprennent les choeurs³ de danseurs et les pantomimes solo, mais ne sont pas des reconstitutions pour autant. Plus romantique, le choréodrame s’inspire de l’Antiquité pour créer une forme italienne du ballet.

Viganò donne une identité italienne à la danse, mais l’affaiblit également en tournant le dos à la danse française et à l’attrait qu’elle exerce. Cette identité est d’ailleurs peut-être davantage milanaise qu’italienne : le reste du pays rechigne en effet à adopter ses vues, tandis qu’à l’étranger, on déplore un manque de divertissements. Ce que Viganò a créé est fort fragile et il emporte le secret de son succès dans sa tombe. Le tout Milan assiste à son enterrement, mais le choréodrame ne lui survit guère.

Blasis ou la virtuosité humaniste

L’influence de Viganò n’est pas à chercher du côté de la scène mais de l’enseignement, avec le travail de Carlo Blasis (1795-1878), fondateur de l’école italienne du ballet. Formé à l’ancienne école française, Blasis est impressionné par Vestris qu’il prend comme modèle. Néanmoins, insatisfait par son contrat à l’Opéra de Paris, il retourne à Milan et travaille avec Viganò (avec qui il se fight un peu lorsqu’il lui retire ses passages-divertissements dans le style noble).

Fait rare pour un danseur, Blasis est issu d’une famille noble ; il a fait ses humanités et fréquente des cercles artistiques. Son traité sur la technique du ballet est une étude quasi-philosophique, considérée à l’époque comme un texte fondateur et traduite en français, anglais, allemand… Son goût pour le XVIII^e siècle y est patent : malgré son admiration pour Vestris, Blasis tient à la vieille école et se prononce contre les débauches de virtuosité.

Ce qui distingue le plus nettement Blasis du ballet romantique et de Bournonville (dans sa quête d’une synthèse entre le style noble et la technique de Vestris) est son goût pour l’Antiquité. C’est également ce qui le lie à Viganò, et non le choréodrame : Blasis est trop français pour sacrifier la danse pure à la pantomime, sur laquelle le ballet ne saurait entièrement reposer. Son intérêt pour le classicisme est lié à l’italianité, au génie italien (Leonard de Vinci est son grand modèle et il consacre une étude à Raphaël).

Autant Blasis est un danseur moyen, autant il est très bon pédagogue. De 1837 à 1850, il dirige l’école de La Scala, où il met en place un programme de 8 ans pour former le corps de ballet (le stars sont importées pour les rôles principaux). Il analyse la technique sous tous les angles, décortique chaque mouvement pour le rendre aussi efficace et coordonné que possible – et ainsi transmettre les idéaux classiques d’harmonie. Il forme ainsi une génération de danseurs accomplis qui atteignent un niveau sans précédent, mais oublient rapidement la justification humaniste qui préside au geste. La virtuosité, essentielle à l’art, devient une fin en elle-même. Le mouvement n’est plus un geste signifiant mais une mécanique.

Dans ce contexte de virtuosité, le romantisme français n’avait pas une chance. Marie Taglioni rencontre le succès partout sauf en Italie, qu’elle quitte après trois représentations seulement, et Fanny Elssler n’est de toutes manières pas la bienvenue en tant qu’autrichienne. L’Italie est en plein milieu d’un drame national, qui n’a rien à voir avec lequel la mélancolie des sylphides. (Qui dit pas de sylphides dit pas de James : les hommes ne sont pas mis en retrait, et les danseurs s’acheminent vers toujours plus de virtuosité.)

Excelsior : splendeur et misère du ballet italien

L’influence de Blasis a été de courte durée. Avec Viganò, il représente le chemin que le ballet italien aurait pu prendre – mais qu’il n’a pas pris, ruiné par les révolutions de 1848 et les guerres d’unification. L’instabilité est chronique : les théâtres et les écoles ferment – certaines pour un temps, d’autres définitivement. Les ballets, de moins en moins nombreux, ne sont plus présentés entre les actes des opéras, mais à la fin, de plus en plus tard ; ce n’est plus un intermède bienvenu.

Luigi Manzotti (1835-1905) paraît changer la donne, mais en réalité, il colmate moins les failles du ballet qu’il ne les exploite. Manzotti se fait un nom avec Pietro Micca dont les effets techniques sont si réalistes qu’à la première, on appelle la police lors de l’explosion finale… En 1881, il monte Excelsior, une superproduction qui rencontre un succès monstre. Le spectacle est une fresque qui va du XVI^e au XIX^e siècle et dont les personnages sont des personnifications : la Lumière, les Ténèbres (joués par des mimes), La Civilisation (par la prima ballerina) et tout un tas d’autres tels que l’Invention, la Science, etc. Cette ode au progrès technique comporte plus de 500 figurants, 12 chevaux, 2 vaches et un éléphant…

Manzotti, qui a été formé au mime et dont le talent est essentiellement imitatif, n’est pas vraiment chorégraphe : les séquences de danse sont composées de pas interchangeables dont le détail est laissé aux danseurs. Le gros de l’oeuvre repose sur des manœuvres exécutées dans un esprit disciplinaire pour former triangles, diagonales et autres figures géométriques. Beaucoup de technique et peu de goût.

Excelsior est le plus grand succès de toute l’histoire du ballet italien. Il est remonté dans de nombreuses villes italiennes, puis à l’étranger aux États-Unis, à Berlin, Madrid, Paris, Saint-Pétersbourg et Vienne, avec adaptation au goût local (une tout Eiffel pour Paris, que diable). En 1886, Manzotti met en scène Amor, une production encore plus énorme… trop grosse pour être jouée ailleurs qu’à La Scala. Qu’importe : Excelsior fait long feu. Il est donné et redonné dans les années 1880 et 1890, avec remises au goût du jour (mesdames et messieurs : la fée électricité !). Rien ne semble pouvoir distraire les Italiens de leur histoire d’amour avec Manzotti – pas même les ballets russes. Trahison de l’héritage de Viganò et Blasis, Exclesior a tué le ballet italien. Manzotti a « tenu un miroir à l’Italie, mais n’a jamais pensé à remettre en question ce qu’il voyait ».

Pourquoi le ballet et pas l’opéra ?

Bonne question, tiens : pourquoi le ballet a échoué en Italie alors que l’opéra y a fleuri ? Verdi et Puccini, avance Jennifer Homans, ont été des exceptions. En réalité, l’opéra a lui aussi souffert de la situation politique, et sa trajectoire a été comparable à celle du ballet – en décalé. On peut néanmoins avancer quelques pistes sur le pourquoi des exceptions dans le domaine de l’opéra plutôt que du ballet :

• C’est l’époque où le système de répertoire se met en place : on reprend des anciens opéras à partir des partitions, vendues par les maisons d’édition aux théâtres. L’absence de notation rend le ballet est plus fragile que l’opéra. Alors qu’une partition peut se rouvrir, une école de danse qui ferme, c’est un savoir-faire qui se perd.

• Les maîtres de ballet italiens s’entêtent à écrire leurs propres scénarios (passablement mauvais), tandis que le ballet français prend vie sous la plume des poètes et que l’opéra recourt à des librettistes chevronnés.

• Le ballet tient son identité de l’aristocratie : sans cour ni noblesse derrière lui, le ballet peut aisément se transformer en exercices de gymnastique. Verdi a derrière lui une longue lignée de compositeurs avec les œuvres desquels il peut dialoguer ; Manzotti opère dans un vide artistique. « Lacking the security and raison d’être of a court, and without internal or critical resoucres of its own to sustain it, Italian ballet became an unthinking and gymnastic art »

 

Épilogue

Dans leur effort pour élever le ballet, Viganò et Blasis n’ont réussi qu’à fortifier sa base grotesque. Le ballet italien est revenu à une version amplifiée de ce qu’il était à son commencement : virtuose et itinérant.

Manzotti a précipité le renouveau du ballet… en Russie. Parmi les danseurs italiens qui envahissent le pays se trouve Enrico Cecchetti, qui a dansé Excelsior et le remonte en Russie où les autorités sont si impressionnées qu’elles lui offrent un poste de premier danseur et d’assistant maître de ballet. Par la discipline de sa cour, la Russie va élever la virtuosité italienne au rang d’art : le ballet russe naît en partie d’un art italien mourant.