Macbeth

 

 

 

Dimanche 14 février : à Sceaux et à gambades

 

Des affiches disséminées un peu partout dans la fac m’ont bien fait rire : « Pour la Saint-Valentin, faites l’amour, pas les magasins ». Je n’ai fait ni l’un ni l’autre1, mais suis allée voir la mise en scène de Macbeth par Dunclan Donnellan au théâtre de Sceaux. Mister From-the-Bridge nous avait déjà emmené voir Troilus et Cressida l’an passé, et Cymbeline l’année d’avant ; aussi, c’est avec la promesse d’assister à une représentation de qualité que j’ai immédiatement accepté sa proposition de me joindre à la sortie de groupe, retrouvant ainsi la Bacchante et des camarades khûbes.

 

 

 

Here we are

 

La mise en scène de Donnellan est contemporaine sans pour autant être en quelque manière transposée – rien qui puisse faire allusion à une modernité qui serait datée dans quelques années. Les costumes, tout d’abord : Lady Macbeth porte une robe noire à la Martha Graham, et les hommes, aristocrates et donc chevaliers, portent les pantalons en forme de treillis et les grosses pompes genre Caterpillar, qu’ils avaient déjà dans Troilus et Cressida. Mais alors que l’Antiquité avait apporté aux costumes la couleur sable de son archéologie, l’enfer de Macbeth impose un noir uniforme (ce qui est loin d’empêcher un jeu lumineux).

La simplicité du décor confère à l’inexistence : des colonnes de bois ajourées remplacent le velours noir des coulisses et suffisent à dissimuler les acteurs et quelques caisses/tabourets, uniques accessoires que le metteur en scène s’autorise. Dis comme cela, on pourrait froncer les sourcils et fredonner la chanson de Delerm : « pourtant la mise en scène était pas mal trouvée, pas d’décors, pas d’costumes, c’était une putain d’idée ; aucune intonation et aucun déplacement, on s’est dit pourquoi pas : aucun public finalement ». Il n’en est évidemment rien : la mention de Jane Gibson comme collaboratrice à la mise en scène et mouvement n’est pas pur ornement, et ce n’est pas seulement mon côté balletomane qui justifie le recours à une danseuse comme comparant.

 

 

Pas de décor mais des corps

(Un certain Rhinocéros leur trouve des allures Jean-Paul Gautier)

 

Mime de rien

 

Plusieurs critiques, en effet, ont trouvé les déplacements si bien réglés qu’ils les ont qualifiés de chorégraphie. C’est effectivement l’impression que l’on peut avoir lorsque les barons esquissent au ralenti des gestes de combat stylisés, par exemple. Ce qui domine, cependant, c’est un extraordinaire travail de mime : on tue à mains nues et le spectateur voit l’épée traverser le corps, puis s’en retirer, d’un coup ou par secousses ; le présent que Duncan fait à Lady Macbeth est payé en monnaie de singe, et pourtant, le diamant invisible pèse au creux de la main du mari ; on trinque sans verre, mais le spectateur est déjà pris d’ivresse. Ce recours au mime n’est pas uniquement une superbe prouesse qui allège le budget de la pièce, c’est avant tout un parti pris qui donne une grande cohérence à l’ensemble.

Voyez plutôt (imaginez plutôt – c’est tout un, en l’occurrence) : la dague imaginaire qui apparaît à Macbeth devient tout aussi réelle que l’épée qui tuera Banquo, puisque toute la consistance des objets leur vient du langage. Je dis: une dague ! et, hors de l’oubli où mes yeux relèguent aucun contour, en tant que quelque chose d’autre que le texte su, musicalement se lève, chose même et sensible, la présence du fantasme de Macbeth. C’est le bouquet ! Chaque geste, même a priori anecdotique, acquiert un sens supplémentaire : le diamant invisible dans la main de Macbeth, c’est la paume qui mendie plus encore que la richesse, le pouvoir.

Le régicide est sanglant à la conscience, lorsque les assassins se re-présentent ce qu’ils ont commis : retour de Macbeth sur le lieu du crime, pour qui la découverte n’est pas celle du corps mais de l’acte qui une fois fait, ne peut pas être défait ; enfants, certes grands, mais arrachés à leur père, pour Lady Macbeth qui avait assuré, mime à l’appui, qu’elle arracherait son propre enfant (qu’elle n’a pas) de son sein et lui fracasserait le crâne si c’était nécessaire.

Le meurtre de Banquo ne donne rien d’autre à voir qu’un corps sain qui s’effondre : le geste meurtrier se répète une deuxième fois sous un mode presque comique – la tragédie était bien le régicide, non en raison du statut royal du personnage, mais du geste fondateur, l’origine de l’impossibilité de rien construire, qui réduit l’action à la destruction.

(Dans cette mise en scène épurée, la portière du château de Macduff, en concierge pétasse qui lit des tabloïds et mâchonne un chewing-gum, dans sa loge envahie d’accessoires aussi criards qu’inutiles constitue un contre-point comique qui détonne !)

Il n’y a pas que les objets that are conjured up by words : so are the witches et autres esprits. Comme dans la Petite Catherine de Heilbronn (parallèle suggéré par l’atmosphère brumeuse initiale ?) où le tribunal secret se trouvait quelque part dans la masse indistincte du public, les sorcières demeurent invisibles ; l’adresse de Macbeth et Blanquo seule permet d’identifier la source des voix prophétiques. Ces êtres imaginaires le demeurent alors même que les corps qui leur prêtent voix (amplifiée par synthétiseur, certes) sont sur scène, derrière Macbeth et Banquo, les actrices étant disséminées au milieu des hommes, plantés là comme les arbres de la forêt qu’ils font surgir sur scène et dont le bruit du vent dans les feuilles est rendu par leurs murmures incessants et incantatoires. Cette scène rend parfaitement plausible la prophétie selon laquelle « Macbeth shall never vanquish’d be until. Great Birnam Wood to high Dunsinane Hill Shall come against him ». Que les hommes avancent avec une branche d’arbre devant eux en guise de camouflage n’a plus rien d’un subterfuge, la métaphore ayant déjà été préparée par la scène initiale.

 

Men in black magic

 

Plus tard dans la pièce, une fois que Macbeth a accédé au pouvoir, il invoque à nouveau les esprits, qui sont cette fois-ci matérialisés par la lumière, des douches rouges, vertes et blanches, très précises étant projetées sur le visage puis le corps de l’acteur. Les voix démoniaques (sont ce qui) lui arrivent, mais pourraient tout aussi bien émaner de lui, prophéties prévisibles comme conséquences des ses actes. Avec ces lumières, c’est bien la seule fois où du rouge est employé sur scène ; Donnellan s’écarte de toute fascination sanguinolente pour se concentrer sur un drame noir, moins celui d’un tyran sanguinaire que d’un homme qui ne sait rien faire – d’autre que le mal.

« Je pense qu’un être humain ne peut pas être mauvais. Seul un acte commis par quelqu’un peut l’être. Cela fait une énorme différence », distingue Donnellan dans une interview que l’on trouve dans le dossier de presse (sorry, Mister From-the-Bridge, I didn’t fought the image of the raven).

Je n’ai pas pu m’empêcher de penser à Ariana, à qui cette lecture de la pièce n’aurait pas déplu s’il est vrai qu’elle (la pièce) est très proche de l’analyse qu’elle (Ariana) en fait, en soulignant que le mal existe, non comme une entité abstraite, quasi-divine, mais ex-iste, au sens où il sort de l’existence de l’individu, provient de ses actes (et sort de l’existence en tant que vie, comme on sort de scène, pourrait-on ajouter, dans la mesure où l’individu qui acte le mal ne créé rien mais s’emploie à détruire ce sur quoi il n’a pas de prise). Les sorcières n’ont pas de corps, le cadavre de Duncan n’est pas montré sur scène, swords are mightful because of words : le mal n’est pas incarné mais il irrigue la pièce – ou plutôt en découle.

 

 

 

Une tragédie de l’imagination

 

Le mime à la place des accessoires ou des êtres fantastiques permet de donner à voir une subjectivité (qu’on pourrait dire objectivée, projetée dans des objets qui n’ont paradoxalement d’autre matérialité que verbale). On voit moins Macbeth qu’avec lui, ses visions comprises. Sa folie n’est pas tant apparentée à la démesure de la volonté de pouvoir, qu’à l’incapacité à distinguer entre ce qui est réel et ce qui ne l’est pas. Il délire mais manque d’imagination, peine à se faire lui-même une image de ce qui ne peut alors que lui apparaître sous forme d’hallucination. Les limites se brouillent, réel et factice, corps et image… le spectre de Banquo est jouée par l’acteur dont le corps ne subit aucune altération si ce n’est que son buste est effacé car plongé dans la zone d’ombre d’une lumière qui n’éclaire que sa tête (coupée), tandis que la nourriture bien concrète du banquet semble complètement irréelle dans la mesure où elle n’existe qu’aux travers des gestes factices du couple Macbeth, qui dîne mécaniquement juste après l’apparition spectrale de Banquo. Brouillage entre rationnel et pulsionnel, aussi : Lady Macbeth ne paraît jamais aussi sensée que lorsqu’elle planifie le meurtre de Duncan. C’est avec des cheveux attachés qui domptent son aspect de folle un peu sorcière qu’elle échafaude un meurtre aux mobiles très rationnels (répréhensibles, évidemment, mais c’est autre chose).

Créatures imaginaires, délire de Macbeth… Donnellan sollicite l’imagination du spectateur pour restituer avec cohérence l’imaginaire shakespearien.

 

yeux dans les yeux…

 

… Cheek by Jowl, épaule contre épaule

 

Last but not least, les comédiens sont tous excellents. Cause ou conséquence, les rôles principaux tournent (comme la fortune : Troilus est devenu simple baron). Comme on a pu, je l’espère, l’imaginer à la lecture de ce post, Will Keen rend parfaitement les errances de Macbeth, le conduit depuis l’homme anonyme jusqu’au nom redouté, aux côtés (et non pas sous la domination ou la manipulation) de sa femme à laquelle Anastasia Hille, grande, échevelée, presque maigre, mais belle, prête son corps de corbeau – oiseau de malheur, non de proie. Fêlée, sa fragilité transparaît et, si elle précipite la métamorphose de son mari en meurtrier, ce n’est pas sous l’effet de je ne sais quelle castration symbolique qu’elle aurait opéré en se substituant à lui, mais par l’exhortation à se montrer un homme, qu’elle lui adresse dans une étreinte amoureuse où elle tient le dessous. Mais je m’éloigne à nouveau des comédiens et repars vers leurs personnages ; ils sont vraiment trop bons pour qu’on s’arrête longtemps sur eux.

 

 

 

 

Surtout, on a affaire à une troupe – un groupe dont on sent la cohésion. Les tapes dans le dos des barons au banquet ne sont pas uniquement ressenties comme la traditionnelle et très conventionnelle accolade virile2 ; il y a trace d’une fraternité de jeu, pleinement autorisée à ce moment-là de la pièce. Et les saluts, francs et souriants comme je les aime, où les comédiens répartis côté cour et jardin courent les uns vers les autres, complices dans le jeu après l’avoir été dans le crime, courent à la rencontre des uns et des autres, avant d’accourir vers le public et ses applaudissements nourris…

On l’aurait presque oublié, pourtant, ce public, n’étaient un ou deux brefs moments de décrochage (au moment du « Out out brief candle. Life’s but a walking shadow. A poor player that struts and frets his hour upon the stage » – accompagné d’une vague de la main qui chassait une fumée inexistante-, la citation m’a extrait une seconde de l’intrigue et j’ai constaté avec surprise qu’une multitude m’entourait, qui regardait tout aussi avidemment le poor player upon the stage, la vie même, représentée sous nos yeux. Un peu avant aussi, lorsque l’assemblée des barons a applaudit le nouveau couple royal, j’ai eu l’impression qu’on applaudissait déjà les comédiens – quoique cette mise en abyme soit assez cohérente avec les personnages, bons acteurs dans la dissimulation de leur double jeu.)

Contrairement à l’opéra, les envies de meurtre sont cantonnées à la scène… Je ne sais pas si la retenue british (forcément, Shakes
peare en VO, ça attire le native – pas seulement, heureusement, c’est si bon de goûter au bon accent – pas toujours évident à suivre, certes, ça crie et on se prend les pieds dans les rebondissements, mais les prompteurs sont là pour venir à notre rescousse, alors…) a inspiré la salle, mais si même le public se met de la partie, le spectacle ne peut être que parfait. Évidemment, à la sortie, From-the-Bridge a émis quelques réserves, mais peut-on reprocher à quelqu’un de ne pas déroger à son motif ? Yes indeesd but…

(Thx for invinting me to join and rejoice)

 

1Quoique si l’on considère le texto de miss Red qui y a été jeudi : « La pièce était orgasmique ! »…

2 Complicité masculine ici, démarche du pianiste et du chanteur dans les saluts vendredi dernier… je ne sais pas ce que j’ai. Curiosité pour un nouveau motif éveillée par Querelle de Brest ?

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