Coupé –assemblé

    Ce post m’avait donné envie de lire Mythologies, et un lundi matin de grande lassitude envers mon Gaffiot (ne faisant pas de latin du week-end, je m’y mets la veille pour le lendemain) j’avais subrepticement pris l’ouvrage de Barthes sur les rayons du CDI. Le temps d’emprunt du CDI étant ce qu’il est, j’avais grappillé quelques mythes modernes qui me parlaient et condamné le reste au silence. En allant à Gibert il y a quelques jours, je suis retombée dessus (en occasion en plus, si ce n’était pas un signe, ça). J’ai commencé à lire dans l’ordre, donc sans sauter le « Catch », premier article qui ne m’avait guère inspirée. Et bien que l’on en soit à cent lieues, j’ai pensé à la danse qui elle aussi est à la frontière entre sport et spectacle, quoiqu’elle soit sport qui tend au spectacle tandis que le catch est, comme le montre Barthes, un spectacle qui se prétend sport. Je ne sais pas vraiment pourquoi le glissement m’est venu à l’esprit ; peut-être cette comparaison malheureuse, « trop musclé comme un mollet de danseuse », qui relève elle aussi d’un certain cliché. J’ai souvent l’impression que pour la plupart des gens, la danse, c’est ça, une succession de clichés. Alors pour remettre un peu de mouvement dans tout ça, voici un petit démontage de la boîte à musique, ritournelle d’un côté et danseuse en plastique de l’autre.  

 

Coupé : pile, image mielleuse, face, image amère, et une pièce qui ne se rejoint jamais

Amer

La danse, c’est la souffrance ; les pointes, des instruments de torture ; les auditions, un panier de crabes ; le ballet, un monde de requins. A décliner avec toutes les variantes possibles : acharnement, labeur, douleur, école de rigueur, orteils sanglants, pestes, régimes, orgueil, piston… on ne manque généralement pas de synonymes. Certes, pour devenir professionnel, il est recommandé d’avoir une santé de fer et un moral d’acier ; à la fois la dureté et l’éclat du diamant. Bien sûr, il y a des pestes (c’est malheureusement un fléau universel). Assurément, on maudit les pointes à chaque fois qu’on en inaugure une nouvelle paire (et je maudis particulièrement les revendeurs français pour ne pas importer de pointes russes). Sûr qu’on ressort d’un cours autrement plus fatigué que d’une promenade de santé. Certes. Mais. Pas seulement. Et ce n’est pas non plus l’autre cliché extrême, plus écœurant encore – parce que si la vision de martyr a au moins le mérite de reconnaître le travail du danseur, celle de l’étoile l’enrobe de paillettes un brin aveuglantes.

Mielleux

La ballerine noyée dans une barbe à papa de tulle et de lumières – tutu plateau, pointes, et cherry on top, le diadème. Vous pouvez tout de suite refermer la boîte à musique, la magie de la scène n’est pas là. Il n’y a rien de pire que cette mièvrerie, toute contenue dans le mot de « ballerine » que n’emploiera jamais une danseuse. A la rigueur, elle piétine le mot dans un modèle Repetto hors de prix, la marque si connue étant devenue l’emblème de la danse… à la ville. En studio on lui en préférera d’autres, sauf peut-être pour les pros qui recourront à du sur mesure.

La mièvrerie rose dragée ne connaît que trois pas :

–         l’arabesque, LA pose photogénique par excellence – un beau cliché donc

–         la pirouette (cacahuète)

–         l’entrechat, pour faire pendant à l’appellation d’origine contrôlée de « petit rat » – « de l’Opéra » pour la rime.

La mièvrerie rose dragée pense…
… qu’on ne danse que les bras en couronne (visualiser ici une imitation simiesque) et sur du Tchaïkovski
… que la danse ne demande aucun effort.
… qu’on prend les cours en tutu. On en trouve une réminiscence dans Billy Elliot où les gamines des mineurs sans le sous sont en tutu (costume de scène, faut-il le rappeler, assez cher pour ne pas dire parfois hors de prix), alors que de simples justaucorps seraient en réalité un uniforme assez inespéré.
    La mièvrerie rose dragée est un attendrissement maternel, résultant parfois d’une frustration personnelle.
La mièvrerie rose dragée m’écoeure. C’est en partie à elle que l’on doit la démographie bancale des cours de danse où les garçons se font rare et où les classes se clairsement avec l’âge (même si le cours surpeuplé au-delà d’une certaine densité expose mes voisines au risque de se prendre un coup de pointe pendant les grands battements).

Clichés de danse

  Réalisé à partir de phots trouvées sur… des skyblogs. Non, non, je ne tire aucune conclusion.

Il y a pire que la mièvrerie rose dragée, qui au moins se repère de loin. Il y a la mièvrerie blanche, tout aussi dégoulinante de bons sentiments. Blanc comme la feuille blanche d’où l’on part ; 0 capacité, 0 soutien familial, 0 pointé. Blanc comme le succès éclatant auquel on arrive, par une chance non moins éclatante qu’on rebaptise travail. Cette dernière substitution permet de réintégrer l’autre cliché, celui de la dureté, dont on cache l’amertume en la faisant toujours suivre du doux goût sucré des efforts récompensés.
   
        Le mythe de la self-made dancer constitue ainsi la trame de la plupart des films de danse. Dans Save the Last Dance, elle finit par intégrer la Julliard School, épaulée par un nouvel amour (parce que si la danseuse n’est plus à présent confondue avec la courtisane, elle demeure aimable, et il est de bon ton de marier la mièvrerie rose dragée avec une fleur bleue). Dans Center Stage (Danse ta vie sous nos latitudes, les Français ayant tout de même le chic pour nous pondre des titres d’une niaiserie achevée – et ils aiment beaucoup la vie, parce que cette année je regardai un film, une histoire de musicien, rebaptisée Les gammes de la vie quand le titre de la VO était Die Zeit, die man Leben nennt – approximativement, et que l’on peut à peu près traduire par « L’instant qu’on appelle la vie »), bref, dans Center Stage, donc, la self-made
dancer rentre à l’ABT school, alors même que sa technique n’est pas d’une propreté irréprochable – remarquée pour un certain on-ne-sait-quoi (en fait par la caméra qui fait un gros zoom sur la candidate à la self-made dancer – et ça, je peux vous dire que c’est du cinéma. Du moins en France, où les écoles prennent parfois des filles au charisme de navet bouilli pourvu qu’elles battent leurs chats six – même si d’autres ont toute la classe requise, n’est-ce pas Virginie ?). Bref revenons à nos moutons exgregius. Ils bataillent dur, accumulent les échecs, travaillent dur, et finissent par réussir, toujours de façon fulgurante et éclatante – il est bien connu que l’on passe de vilain petit canard à cygne noir par un coup de baguette magique.

J’aimerais bien parfois voir des films qui ne finissent pas en apothéose. Des filles qui se plantent sans pour autant s’effondrer. Quoique ce soit peut-être le bon sentiment de trop : réussir non pas à surmonter mais à accepter son échec, pensez. Surtout que la leçon d’humilité risquerait de se transformer en hymne au martyr. Pour la danse classique. Curieusement, il n’en va pas de même dans les films de danses de salon. Cela fait un bien certain de voir le plaisir de danser mis à l’honneur, même si l’on échappe pas toujours aux clichés. Dance with me m’avait à ce titre assez plu, malgré son côté je-sors-les-jeunes-de-leur-misère et ses inévitables couples (quoique démultipliés, ils soient paradoxalement plus supportables) (Dance with me dont le titre original était… Take the lead. Dans la catégorie je garde l’anglais parce que ça fait moins tarte, mais je donne un titre basique pour que tout le monde comprenne, c’est pas mal je trouve). Shall we dance ? (on remarquera une grande originalité dans les titres) ne tire pas mal son épingle du jeu, et par une pirouette (planée) évite de se figer dans le cliché. Ainsi, même si le protagoniste se trouve embarqué dans des cours de danse de salon pour le visage d’une belle jeune fille (déjà, un léger décentrement, ce ne sont pas les yeux), il n’en tombe pas amoureux, la sensualité (un chouilla exagérée) demeure l’apanage du tango,  et les cabris (caracolant sur le quai de la gare) sont bien gardés. Il danse parce que ça lui fait du bien – et à nous aussi.       

            Il n’est cependant pas tout à fait anodin que ces films mettent à l’honneur les danses de salon, qui, ainsi que semble l’indiquer leur nom, devraient rester confinées dans un espace privé. Un autre problème se dessine en réalité : non plus montrer que la danse (classique) est un art sérieux pour lequel il faut se battre (plus que travailler, un peu de violence en guise de passion), mais que la danse (de salon) existe pour de bon. Dans Dance with me, le professeur de danse, qui se jette dans la gueule du loup en allant donner des cours de danse à des cas désespérants plus que désespérés de jeunes en échec scolaire,  a tout le mal du monde à leur faire admettre que ce n’est pas un « truc de ringards ». S’il y réussit en employant la manière forte avec ses jeunes protégés, rien qu’à en juger par les sièges vides de la salle de cinéma, il y a encore du pain sur la planche pour convaincre de l’actualité de ces danses qui sont autre chose que la survivance des bals de nos arrière-grands-parents.

 

Assemblé : rendre la monnaie de sa pièce

            Comment faire coexister les deux clichés dont on sent bien que la vérité se trouve quelque part entre les deux (souvenance émue du cours sur Pascal) ? Les films livrés avec faire-part et dragées ont choisi de les faire se succéder, puisque les faire coexister sans modulation revient à faire l’éloge du masochisme (ça fait mal mais c’est bon – parce que c’est beau). Pourtant, il y a de ça. La différence essentielle vient du fait que toutes ces perceptions viennent de l’extérieur tout en se voulant intérieures : le spectacle est beau donc je nie tout travail, ou je vois des exercices qui me paraissent relever de la torture donc c’en est.
        On ne parvient pas à concilier les deux clichés pour la simple raison qu’ils ne s’appliquent au même objet : le miel renvoie à l’art tandis que l’amer renvoie au sport. Clichés inconciliables parce qu’ils renvoient à la contradiction même de la danse qui, pour le danseur, est un art qui passe par le sport – mais ne le devrait pas pour le spectateur. Pour celui qui la pratique, la danse est artistique dans le sens où elle concourt à former ce qui est ensuite (si on est en studio) ou simultanément (en scène) perçu comme art. L’œuvre d’art n’existe que lorsqu’elle est détachée de sa genèse et de l’artiste. Or dans la danse l’artiste est en même temps le matériau. Le seul moyen d’éviter les glissements qu’il y a là en puissance est de préserver la distance qu’instaure la scène – que le ballet reste bien inaccessible de l’autre côté de la rampe. C’est pour cela qu’en visite guidée, la scène perd toute magie, révélant ses mécaniques, scotchs au sol, cintres nus et câbles en tous genre, qui tranchent avec le velours des sièges et les dorures du plafond (je pense au Palais Garnier). Elle a perdu toute vie, ce pour quoi elle a été instituée n’a pas lieu. Pas de cérémonie. Tandis que lorsque cette dernière a lieu, la scène devient un temple avec ses décors, ses costumes et ses lumières et… ses dieux, rangés dans le ciel sous l’étiquette d’étoile (encadrés par des dizaines d’astéroïdes au statut de demi-dieux). Est-ce un pur hasard si Claire-Marie Osta, étoile à l’Opéra de Paris, a hésité à entrer dans les ordres avant d’embrasser la carrière de danseuse ? ou si dans le livre Itinéraire d’étoiles, la légende de l’une des (superbes) photos indique : « la barre, cette prière du danseur » ? – il s’agit bien là d’une mystification nécessaire, celle qui fait passer du plan de la mécanique du corps humain et celui de l’œuvre d’art. A la différence de…      

         L’image mielleuse : les danseurs vous tiennent la dragée haute, et s’amusent de ce que vous adorez les idoles plus que les dieux, ce qui contribue à leur donner ce rang plutôt que la puissance qui s’en dégage. Mais il se trouvera relativement peu de groupies dans le monde de la danse : les véritables fidèles, passé l’âge de bout d’chou, ont vite fait de troquer leur panoplie Barbie délavée et leur chigon-champignon contre une tunique noire (non couleur comme négation). [Je ne prêche pas pour autant la suppression du rose… il s’en trouvera certaines qui, venues à la danse pour le tutu, n’y verront bientôt qu’un symbole].

         L’image amère est au final peut-être la plus révélatrice, parce que doublement trompeuse. Elle n’est pas, en effet, le négatif du cliché rose mais plutôt son double. J’ai compris cela en lisant le deuxième article de Mythologies, « l’acteur d’Harcourt » : « […] Passé de la « scène » à la « ville », l’acteur d’Harcourt n’abandonne nullement le « rêve » pour la réalité ». C’est tout le contraire : sur scène, bien charpenté, osseux, charnel, de peau épaisse sous le fard; à la ville, plane, lisse, le visage poncé par le vertu[…]. A la scène, trahi par la mat
érialité d’une voix trop musclée comme les mollets d’une danseuse ; à la ville, idéalement silencieux, c’est-à-dire mystérieux, plein du secret profond que l’on suppose à toute beauté qui ne parle pas.[…] / L’acteur, débarrassé de l’enveloppe trop incarnée du métier rejoint son essence rituelle de héros, d’archétype humain situé à la limite des normes physiques des autres hommes. […] la foule des entractes qui s’ennuie et se montre, déclare que ces faces irréelles sont celles-là mêmes de la ville et se donne ainsi la bonne conscience rationaliste de supposer un homme derrière l’acteur : mais au moment de dépouiller le mime, le studio d’Harcourt, à point survenu, fait surgir un dieu, et tout, dans ce public bourgeois, à la fois blasé et vivant de mensonge, tout est satisfait. »

Dans la danse aussi, un mythe se substitue à un autre : la danseuse « gracieuse » (voilà un autre mot que je déteste, typique d’un regard vaguement niais et pourtant assez juste.. gracieuse… grâce… ) laisse place au self-tortionnaire. Il ne s’agit pas de faire que l’étoile s’écrase au sol comme une vulgaire météorite mais paradoxalement de renforcer son caractère fantastique. Rappeler que la Willis a un corps, c’est souligner l’habileté avec laquelle elle maîtrise ce corps. De ce qu’elle en fait presque ce qu’elle veut, la danseuse demeure essentiellement Willis ; le corps trop humain est modelé par une volonté qui ne l’est presque plus. On admire à l’égal du résultat le travail qu’il a fallu fournir pour y parvenir. En somme, on a métamorphosé le dieu en « surhomme », peut-être parce que, même s’il est tout aussi inaccessible, il paraît plus proche, il n’est plus sans commune mesure.

Ce second cliché est donc plus complexe que le premier, d’autant plus qu’il est à l’occasion lui-même utilisé par les chorégraphes : on peut citer par exemple Véronique Doisneau de Jérôme Bel, à l’affiche de l’Opéra de Paris il doit y avoir quelque chose comme trois ans. Je ne l’ai pas vu (ni malheureusement Etude qui était dans la même soirée), mais les critiques montraient assez qu’il s’agissait bien d’une mise en scène de l’hors scène – le mythe de la démystification. Ce type de métalangage est toujours intéressant… pourvu qu’il ne se substitue pas entièrement pas entièrement au langage d’origine (et apparemment, c’était plus ou moins une des critiques adressées à cette pièce).

    Si cette vision de la danse se généralise, il risque d’y avoir un certain dérapage de l’art vers le sport… un amour de la prouesse d’autant plus dangereux pour l’art qu’il transforme ce dernier en sport sans en donner les règles et donc sans lui donner les moyens de devenir populaire. Combien de fois j’ai entendu dire « Je ne comprends rien à la danse ». Comme s’il y avait quelque chose à comprendre. Les codes sont là pour les danseurs bien plus que pour les spectateurs. Cherche-t-on à « comprendre » la musique ? – pas au sens strict du mot il me semble. La musique comme la danse nous « parlent » au sens où elles nous touchent. Il ne serait même pas illogique que la danse nous touche plus facilement que la musique, puisqu’elle en est, non pas une illustration (attention, là je mords), mais une transcription qui se donne en simultané. Le danseur devant être dans l’intensité pour pouvoir transmettre l’émotion, le travail est mâché, presque par procuration (d’où l’on voit que le cliché tout rose de l’absence d’effort n’est pas loin) – du prêt-à-ressentir. La virtuosité est fascinante, mais elle l’est bien plus encore lorsqu’elle parvient à se faire oublier… comme Aurélie Dupont dans la Dame au Camélias… mais là on rentre dans le domaine du spectateur émer(ê)veillé !

Aristote pour les nuls

  
    Un petit article pour présenter ce que nous a fait vivre l’auteur de la Physique, ce qu’il est pour moi (merci de garder pour vous la conclusion du syllogisme qui s’impose naturellement à votre esprit) – mis à part un emmerdeur de première. Attention, risque d’ennui mortel (expression qui n’est malheureusement pas ici à prendre comme une litote). Que ceux qui en ont déjà marre donnent quelques coups de molettes de souris pour trouver la sortie de secours.

Aristote est siphonné

 Aristote est siphonné. [copyright Monkeyz, évidemment]

Que l’humour aristotélicien est non-étant

    Aristote est grec, je ne vous apprends rien. Mais on sent dans le choix de ses exemples qu’il est un pochtron pieux fidèle de Bacchus : «  On appelle un soit le continu, soit l’indivisible, soit les choses dont la formule de l’être essentiel est la même et unique, comme jus de la treille et vin. » Le vin essentiel à la compréhension de la Physique, d’où peut-être une certaine ivresse de la tortue lorsqu’elle a enchaîné les envolées lyriques :
– sur une aporie : « Et c’est là qu’Aristote est génialement gêné. » Et quand c’est à nous de l’expliquer et d’y trouver une raison suffisante, nous sommes juste médiocrement mauvais.
–         peu après « Et là le vide arrive, comme Zorro. » 

En parlant des films à grosse production, je vous recommande également  Aristote et ses exemples à haute teneur en effets spéciaux pour un peu d’inspiration : IV 8 « En effet, l’air est quelque chose, pourtant on n’en a pas l’impression ; de même en serait-il pou l’eau, pour les poissons s’ils étaient en fer. Car c’est par le toucher que se fait la discrimination du sensible. » Cherry on top, la note en bas de page : « Ce paragraphe ne semble lu par aucun des commentateurs, mais figure bien dans les manuscrits » Tu m’étonnes… j’adore l’humour de Pellegrin (moins sa traduction, d’ailleurs « remaniée » pour le sujet du concours et où on avait peine à retrouver la traduction d’origine).

Logique de l’absurde : un texte en puissance de signifier quelque chose

« L’être est, le non-être n’est pas. » Cette petite phrase de Parménide, qui n’a l’air de rien, nous avait bien fait rire l’année dernière. Plus jaune cette année, car Aristote y est fidèle. C’est un homme qui aime tant la logique qu’il poursuit les développements absurdes des philosophes qu’il réfute… logiquement. Par exemple, en I 4 187b 35 (que diable, il faut des références précises, nous serine la tortue), il réfute Anaxagore qui pose que, puisqu’une chose ne peut pas venir du néant, tout doit déjà être là, tous les éléments doivent se trouver les uns dans les autres. Aristote « simplifie » l’idée en pensant deux éléments que sont la chaire et l’eau, et s’emploie joyeusement à prouver qu’on ne peut extraire l’un des éléments de l’autre : « En outre, si, d’une part, tout corps devient nécessairement plus petit quand on en a soustrait quelque chose, et que, d’autre part, la quantité de chair est limitée en grandeur ou en petitesse, manifestement aucun corps ne pourra être extrait de la plus petite partie de chair. En effet, il sera moindre que le minimum. » Mais ce que je préfère, c’est la fin du paragraphe : « Mais c’est déraisonnable. » Merci du commentaire.
    Amusez-vous ensuite à trouver la logique de l’absurde dans ce raisonnement plein de vide : IV 8 « Même pour qui le considère pour lui-même, ce qui est appelé vide apparaîtra comme vraiment vide. En effet, de même que si l’on plonge un cube dans l’eau, un volume d’eau égal à celui du cube sera déplacé, de même en est-il aussi dans l’air. […] Mais cela est assurément impossible dans le vide (car il n’est pas un corps), mais il faudrait qu’une extension égale à celle du cube, laquelle était auparavant dans le vide, ait passé à travers le cube, comme si l’eau, ou l’air, n’avait pas changé de place avec le cube de bois, mais l’avait pénétré dans toutes les directions. » C’est beau comme de la poésie surréaliste. Le problème, c’est que l’on ne peut pas se draper d’hermétisme et déclarer que la musicalité nous a fait rêver. Cauchemar d’articulations boiteuses et parfois inutiles : en « mais », fais ce qu’il te plaît.

           
Et puis là, pas d’idée de titre parce que c’est une partie poubelle (une troisième partie, quoi)

    Aristote est également mauvais joueur. Une petite caricature de l’adversaire, et hop, réfuté. Un sacré prestidigitateur.  L’un de ses tours de passe-passe les plus réussis est en effet de montrer comme un étant peut changer tout en demeurant toujours lui-même. Pour ce tour de magie, vous aurez besoin d’un substrat, de deux attributs contraires, et d’une aspirine. Un étant est toujours composé d’un substrat qui demeure et de quelque chose qui provient de son contraire (sans en être issu, sinon ce n’est pas drôle). Socrate illettré n’est pas le même que Socrate lettré, et pourtant c’est toujours la même personne ; seulement, l’apprentissage des lettres reconfigure l’ensemble de l’être. Ouais, c’est beau. La tortue nous l’a expliqué comme ceci (attention les yeux, extrait de prise de notes) : ex. du khâgneux qui devient normalien. Il y a passage d’un opposé à l’autre et un sujet qui devient puisque il y a bien qq qui est passé de khâgneux à normalien. Le khâgneux est l’absence de la forme normalienne. Le normalien advient du non normalien. On passe à la figure normalienne depuis l’absence de normalien (khâgneux) et depuis soi (Pierre, Paul ou Jacques, identité qui reste) [une chance infinie pour vous, vous échappez aujourd’hui à Perrette, autre doux nom chéri par la tortue] blablabla, d’où que l’on ne vient pas d’un non-être absolu mais relatif : le khâgneux n’est pas un non étant [quoique…] : il est en puissant d’être normalien. Cependant, l’absence de figure n’est pas indétermination : il serait contradictoire qu’après khâgne lettres, on réussisse Normale maths. Pas en puissance de cela. [Démonstration de l’anthropocentrisme normalien : on notera le contre-exemple extrêmement exotique – pas même hec ou polytechnique, non, normale maths.].                                                                                                                                                                                                                                                                                   
    Lorsqu’il ne sait pas comment introduire sa petite thèse perso, Aristote l’attribue à l’opinion commune et s’en réclame. C’est peut-être pour cela qu’il est récupé
ré par le marketing. A chaque fois que la tortue répétait que devenir, c’est demeurer le même tout en changeant, je ne peux pas m’empêcher de penser Kangoo !! Mais si, rappelez-vous cettepublicité pour un véhicule utilitaire, avec Wallace et Gromit au contrôle technique : « C’est le même, mais en différent. Kangoo ! » Ou comment faire du neuf avec du vieux. Du marketing aristotélicien. C’est dingue, non ? ou alors c’est moi qui le suis devenue – possible… puisque je suis en puissance de le devenir.

 
* sortie de secours : parce que le plaisir de piétiner les grandes thèses n’est pas le privilège des playmobils, des BD parodiques sur les philosophes, que m’a fait découvrir le Vates, et qui m’ont bien fait rire. Parmi mes préférées, la 1, la 16, la 40, la 45… presque toutes en fait.

Dé-corps-tic et caetera

     Je suis toujours surprise en émergeant de mes révisions de découvrir que mon corps ne se limite pas aux joues malaxées comme de la pate à modeler (à force de se prendre la tête, dans les mains ou non) et à la mèche de cheveux que je graisse consciencieusement (quoiqu’inconsciemment) de la main gauche (ne vous coupez jamais les cheveux avant une période de révision – côtoyer Kant est déjà une épreuve en soi, mais incarcérée derrière des barreaux de cheveux, ça l’est par (devant) soi). Je redécouvre que la colonne vertébrale, tout comme ses homonymes corinthiens, doriques, ioniques etc. a pour vocation d’être verticale – et si possible, pas en l’état des temples grecs. J’ai le fronton en surchauffe : y’en a ras le palimpseste, on ne peut plus rien graver. La culpabilité s’est fait prendre à son propre jeu, je ne l’entends même plus couiner sous les débris de raisonnements philosophiques. Pas d’inquiétude cependant, elle a délégué une remplaçante redoutablement efficace, et l’angoisse atroce, despotique,
Sur mon crâne incliné plante son drapeau noir. Ce serait sympathique de sa part de ne pas transformer mon crâne en devanture d’ambassade, et de ne pas perforer ma mémoire à coup de drapeaux revendicateurs, parce que je ne m’appelle pas Baudelaire, et que sans Mnémosyne, je suis perdue.

Candide et les loisirs de masse

 Je révise activement et sélectionne pour cela avec soin mes loisirs. Je lis Tintin au pays des Soviets, et mon père m’a passé un magazine de BD sur Mai 68 – je finirai peut-être par savoir orthographier le nom de David Cohn-Bendit. On voit également que la période est aux révisions quand l’animateur télé demande quelle ligne fait face à la ligne Maginot, « duo, carré ou cash », je bondis « cash : Siegfried ! ». Le doute existentiel face au trou noir « Attends, attends, le pacte de Bagdad, quelle année ? … attends… créé pour faire pièce à l’OTAN… c’est en… 50, OTAN… Bagdad : 55 !! C’est mon dernier mot, Jean-Pierre (Richard seulement avec une minuscule) ». Devant Le monde sans Johnny, quand Luchini comprend que Johnny n’est pas devenu Halliday par un détail, que l’enchainement des causes et des effets est parti en free style et que du coup, il n’y a pas de Johnny dans ce monde-ci, je hurle « Leibniz ». Ma monade sans porte ni fenêtre ne voit que par son oeil de Judas. Cette traitresse d’harmonie pré-établie me conduit à ma perte : j’engraisse mes neurones et symétriquement, mon corps imite l’âme et réclame sa dose de Nutella, crème de marron, gâteau aux noix, coca et confiture du jardin en tous genres. J’ai inventé le concept de la disharmonie pré-établie. Mais comme Dieu ne permet le mal que pour obtenir le meilleur des mondes, je ne doute point que le sacrifice de mes cinquièmes positions trouvera sa suprême raison d’être, et je m’en remets à lui pour intégrer normale. Si tout ne va pas pour le mieux dans le meilleur des mondes et que Leibniz s’avère n’être qu’un Pangloss, ce sera la faute à Voltaire.