Gourmandise douce-amère

– Life is tragic.
– But it’s good.

Ce bref échange, entre deux garçons dépités d’être invisibles à côté du chanteur de leur groupe, donne à lui seul le ton de God Help the Girl. Loin d’être évacués par l’esthétique rétro du film, prompte à présenter le présent comme un heureux souvenir, la maladie de l’héroïne et le regret des amours manquées se trouvent enrobés d’un voile nostalgique qui en fait mieux passer l’amertume. Avec simplicité, sans hyperbole lyrique ou mélodramatique, comme jeunesse se passe. On contemple l’étrange beauté du spleen dans le regard d’Emily Browning (Eve), la maladresse juvénile dans le corps d’Olly Alexander et le visage d’Hannah Murray (bouche ouverte, comme Adèle), et l’on s’aperçoit que les sourires font affleurer les blessures, que les courses les plus enjouées enjouées sont des errances déguisées. But it’s good. La bande-son pop, qui aurait pu affadir le film, l’adoucit juste ce qu’il faut pour réconforter les jeunes âmes ébréchées, rafistolées à coups d’amitié. Et l’on n’en finit plus de chantonner God help the girl, she needs all the help she can get.

Cousu de fil blanc comme neige

De tous les extraits de Kafka étudiés en cours d’allemand, je crois n’avoir retenu qu’un mot : übersehen. Un mot formidable : über-sehen, voir par-dessus, c’est à la fois se rendre compte et ne pas faire attention à, voir du dessus et ne pas voir de regarder au-delà. Il n’y a pas de meilleur mot pour rendre compte de White Bird in a Blizzard, film dans lequel Kat, une adolescente calme mais pas apathique, grandit sans s’inquiéter outre mesure de la disparition de sa mère.

Lorsque son père lui annonce sa décision de déclarer la disparition à la police, elle continue de piocher dans son pot de glace, mine contrite, vaguement mal à l’aise. Factuelle, elle confirme à l’inspecteur que la piste d’un amant est tout à fait plausible, sa mère prenant un malin plaisir à draguer son petit ami – celle du suicide aussi, tant les signes de dépression étaient évidents chez cette parfaite desperate housewife (parfaite Eva Green). Un meurtre ? Encore faudrait-il un corps. Kat opte pour l’hypothèse de l’amant et continue à vivre comme on hausserait les épaules.

Pourtant, le corps reste central, dans les rêves de Kat, où elle aperçoit à peine sa mère, masse blanche recroquevillée dans une tempête de neige, comme dans sa sexualité, de plus en plus assumée à mesure que s’estompe le fantôme de sa mère qui, avec sa silhouette de mannequin, ne cessait de reprocher ses courbes à sa fille. L’absence de la mère semble à vrai dire un soulagement pour sa fille, qu’elle enviait, mais aussi pour son mari, à qui elle reprochait sa médiocrité. Autant dire que le mystère, qui sera élucidé dans les cinq dernières minutes du film, est volontiers éludé : lorsque Kat rend visite à l’inspecteur, c’est dans le but avoué de le draguer – et elle n’a pas peur de son désir. La scène, meilleur dialogue préliminaire qui soit, marque la fin de l’enquête policière et le début d’une quête sensorielle et humaine : le corps désirant a pris la place du cadavre que l’on s’attendait à trouver. Fascinant le spectateur, il arrête le regard au moment même où, voyant un personnage ne pas voir, on devrait voir intensément ce qu’il ne voit pas. Übersehen. Le malaise, s’il y en a un, vient de là, mais le tout est filmé et joué avec une telle pudeur (Shailene Woodley) qu’il est à peine plus perceptible qu’un oiseau blanc sous une tempête de neige.

Mit Palpatine

Asphyxie

Soyons francs, Mélanie Laurent est meilleure actrice que réalisatrice. Si la fin de Respire confère au film une tension dramatique indéniable, elle lui fait défaut à peu près tout le long. Le début, surtout, m’a fait pousser des soupirs : la lycéenne un peu effacée avec son Eastpack sur le dos, les amies à qui elle claque la bise, la nouvelle qui arrive… non seulement tout cela a été vu et revu, mais cela sonne faux, archi-faux – surtout le cours de philo, dans la droite ligne de La Vie d’Adèle. Par pitié, chers réalisateurs, cessez de mettre en scène des cours de philosophie à mi-chemin entre le théâtre et la discussion de groupe, où le prof ressemble à un coach de développement personnel. D’avance merci.

Une fois sorti du lycée, on se met à respirer et le film prend peu à peu autour de Charlène-auto-surnommée-Charlie et Sara, la première tombant sous le charme de la seconde. Charlie, c’est la fille qui s’habille passe-partout, s’attache les cheveux vite fait pour ne pas être gênée, fait la bise à son petit groupe de copines en arrivant au lycée et se trimballe avec un Eastpack orange. C’est moi, c’est ma cousine, c’est un tas de filles. Sara, c’est la fille en mini-short que tout le monde regarde et écoute, qui a toujours une longueur d’avance, un truc cool à raconter et une crinière de cheveux lâchés. C’est la fille qui fascine par son aplomb et dérange par le sans-gêne auquel il confine.

Flattée que Sara l’ait choisie comme amie, Charlie ne se rend pas compte qu’elle devient peu à peu son faire-valoir. Ou plutôt, lorsqu’elle s’en rend compte, c’est trop tard : elle est déjà devenue dépendante de l’attention que Sara lui prête et lui retire sans cesse, aussi accro à sa soi-disant amie que sa mère l’est à son père. Celui-ci va et vient à sa guise, certain d’être à son retour pardonné – pour quels écarts, on ne le saura pas, cela n’a guère d’importance. Ce qui importe, c’est cette relation où celui qui souffre continue d’aimer celui qui le fait souffrir, malgré ou à cause du fait qu’il le fasse souffrir. Mélanie Laurent nous en offre une métaphore aussi magistrale qu’indésirable sous la forme d’un documentaire de SVT, qui n’a pu exister qu’à l’époque des VHS, où l’on observe un parasite enlacer un géranium jusqu’à l’étouffer. Inutile de dire que Sara et Charlie sont plutôt de belles plantes.

Il n’y a pas besoin de violence physique (ni même verbale, à la limite) pour que la mère adopte les mécanismes psychologiques de la femme battue. Il n’y a pas plus besoin de manipulation sordide pour que Charlie tombe sous l’emprise de Sara, reproduisant le schéma familial dans son cercle amical. C’est simple comme une adolescente avec un complexe d’infériorité (une ado, quoi) qui se lie avec une adolescente chez qui ce complexe d’infériorité s’est inversé en complexe de supériorité. Ma cousine avait une copine comme ça, je me souviens, toujours plus importante, toujours plus belle, toujours plus au centre de l’attention – toujours plus pimbêche, rappelait-on régulièrement à ma cousine, quand elle commençait à trop se dévaloriser.

La Sara, elle, réussit à se faire aimer de l’entourage de Charlie et, ce faisant, à l’en couper. Sa méchanceté, jamais plus visible qu’une indifférence manifeste, passe sous les radars ; on ne voit que les marques d’affectation qu’elle donne, au bon moment, au moment où l’on est sur le point de décrocher, et par lesquelles elle renverse les rôles, au point de faire douter Charlie de sa propre culpabilité. L’équivalent amical du pervers narcissique, quoi – qui, selon votre personnalité et votre résistance, peut vous faire de l’ombre et vous empêcher de vous épanouir ou carrément vous pourrir la vie. Vous empêcher de respirer. Et quand, comme Charlie, on est asthmatique, cela peut prendre des proportions dramatiques.

 

De Respire, je retiendrai surtout un visage. Non pas tant celui de Lou de Lâage (qui a par moments un petit côté Arielle Domsbale) que celui de Joséphine Japy, diaphane, même fermé.

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What if

Et si on oubliait le titre français Et (beaucoup) plus si affinités ?

Whaf if

 

Et si Daniel Radcliffe jouait dans une comédie romantique ?

Les épaules tombantes et le souvenirs des lunettes rondes font barrage à l’idée de beau gosse, mais avec une barbe d’une semaine et un sac en bandoulière, le jeune sorcier emprunté face aux filles se mue comme par magie en sympathique loser sentimental. C’est d’autant plus troublant que l’on est de la génération Harry Potter : ça y est, les personnages des comédies romantiques ont notre âge ; j’ai l’âge de ces personnages. (Suis-je adulte ?)

 

Et si on tournait une comédie romantique à Toronto ?

Perché sur le toit de chez lui, Wallace contemple une skyline à la fois familière et différente de celle que l’on est habitué à voir dans les films. What if est à la comédie romantique ce que Toronto est à New York : moins éblouissant mais plus humain, tranquillement décalé. Le lieu commun en redevient un topos qu’il est bon d’explorer. Tant pis pour ceux qui, obnubilés par l’originalité (impératif catégorique de la course à l’innovation), n’en voient pas le charme.

 

Et si les archétypes s’incarnaient ?

Wallace tombe amoureux de Chantry, qui file le parfait amour avec Ben. Nous avons donc d’un côté un boyfriend à la carrure de rubgyman, amoureux et avocat ; de l’autre, une crevette qui a laissé tomber médecine pour finir rédacteur technique (je vais essayer de ne pas mal le prendre) ; et au milieu, une fausse moche qui a un métier de rêve (au point qu’elle a refusé de passer chef de projet pour pouvoir continuer à dessiner), un copain de rêve, un appartement de rêve et un chat. Pour donner un peu d’épaisseur aux personnages sans faire d’ombre au tableau, on insère quelques moments sombres dans leur biographie (Wallace, le cœur brisé par son ex ; Chantry, orpheline de mère) et on leur colle pour acolytes un couple d’amis déjantés très get-a-room-for-God-sake (Spike, le retour).

 

Et si on nous offrait une comédie romantique dans les règles de l’art ?

Notre héroïque loser, qui accepte l’amitié de la belle à défaut d’autre chose, noue avec elle une complicité à base d’aimants sur le frigo, de délires anti-gastronomiques et de discussions plus WTF les unes que les autres. Imaginez alors quand Ben prend un poste de l’autre côté de l’Atlantique : à la question de savoir si l’amitié entre fille et garçon peut exister, s’ajoute celle de savoir si l’amour peut survivre à la distance. La délibération inclura évidemment un vol express Toronto-Dublin, parce que Chantry le vaut bien (et parce qu’un héros de comédie romantique le peut bien – même avec un job et un salaire pas terrible).

 

Et si on faisait fausse route ?

Dessins de Chantry qui s’animent sur les murs des buildings alors qu’elle traverse la ville en taxi ou parenthèse illustrée d’une recette qui ne dépareillerait pas dans The Grand Budapest Hotel, What if présente tous les signes extérieurs de la comédie romantique indé. Si bien que l’on se met à douter : et si What if était l’histoire d’une désillusion, à la 500 jours ensemble ?

 

Et si What if était l’histoire d’une désillusion, à la 500 jours ensemble ?

Soyons honnêtes, cela ne nous arrangerait pas. Parce que, même si l’on veut croire à l’amitié fille-garçon, on ressemble tous plus à Wallace qu’à Ben. Et l’amour comme prolongement d’une amitié riante et quotidienne, c’est tout de même plus sain que le grand amour, l’amour-passion qui admet la souffrance sous prétexte qu’elle grandit.

 

Et si, au final, il était plus sage que puéril de s’attendrir devant un happy ending régressif comme un carré de chocolat ou un sandwich peanut butter and jelly ?

Sourire indélébile plusieurs jours après.

Bande de filles

Tête baissé pour ne pas être vue en train de voir, tête baissée vers la petite sœur avec des perles dans les cheveux, tête baissée au-dessus de l’évier pour faire la vaisselle, tête baissée devant le grand frère pendant le savon plus ou moins (in)justifié qu’il lui passe, tête baissée qui ne suffit pas à cacher le sourire qu’un garçon a fait naître, tête baissée dans des situations à gros potentiels de dérapage – c’est cette tête baissée que Marieme va relever en entrant dans une bande de filles, de celles que l’on croise à Châtelet ou dans le RER, bruyantes et fascinantes d’aplomb. Si l’on remarque tant la posture de la protagoniste, ce n’est pas uniquement parce qu’elle change de coiffure tout au long du film : le cadrage est resserré, proche des visages et des corps adolescents, reléguant la banlieue dans un hors-champ omniprésent/omni-absent. Exit le sujet de société, ce qui intéresse Céline Sciamma, c’est l’humain.

La caméra braquée au plus près des êtres vaut suspension du jugement : on voit Marieme se faire éjecter de la filière générale à la fin du collège, être soupçonnée de vol par une vendeuse aussitôt accusée de racisme, s’admirer chez elle dans une robe défigurée par un antivol, prendre soin de ses petites sœurs, racketer une gamine, s’offrir une chambre d’hôtel avec la bande, qui festoie aux bonbecs (seule évasion possible avec une sortie aux Halles), jouer au mini-golf, se battre pour s’affirmer sous couvert d’honneur à venger, se faire taper par son grand frère, gifler sa petite sœur sur la mauvaise pente, se demander comment elle-même la remonter. Les dilemmes moraux sont le privilège de la bourgeoisie et Céline Sciamma, c’est déjà un exploit artistique en soi, y coupe court. Suspension du jugement : on ne voit plus que des choix, bons ou mauvais, pour essayer de s’en sortir. Parce qu’au final, femme de ménage, dealeur de bons plans foireux, pute du caïd local ou épouse de l’amoureux qui ne tardera pas à lui coller des marmots, Marieme a surtout le choix de l’embarras. 

Pleurant un instant face à Paris, qui se devine, à la fois proche et lointain, comme un avenir dont elle serait exclue, Marieme finit par relever la tête – pour partir, peut-être, ou simplement pour avancer vers l’âge adulte, où l’on continue à dire non, en sachant désormais que dire non à une chose, c’est dire oui à une autre. Une fois que l’on a appris qui l’on n’est pas, il est temps de découvrir qui l’on est – ou de l’inventer (ce qui risque de prendre tout une vie).

Mit Palpatine