Catégorie : Expo

Les dessous des dessous

Malgré son sous-titre « A brief history of underwear », l’exposition Undressed n’adopte pas vraiment une progression chronologique. Mais on ne peut pas non plus dire qu’elle soit thématique. Ce parti-non-pris du mi-mi ou ni-ni ressemble assez, au final, à mes plans de commentaires de texte en hypokhâgne, et il faut souvent lire deux ou trois cartels d’objets exposés dans une même vitrine pour comprendre ce qui les relie, dans le temps ou la finalité (voire les deux, comme c’est le cas pour la recherche sur des sous-vêtements adaptés aux températures estivales… en pleine période coloniale). L’évolution de ce que désigne le terme même de sous-vêtement n’est pas clair : on laisse ainsi tomber comme de vieilles chaussettes les bas de chausse effectivement anciens par lesquels on commence, pour n’y revenir qu’à l’apparition des bas en nylon ; on passe sans transition du haut de chausse au slip, et l’évolution de ce que recouvre la culotte n’est pas bien claire (à cause de son absence sous les corsets ?). Le corset tire à lui toute la couverture, brouillant la ligne entre exposition historique-didactique sur les sous-vêtements et exposition fashion de lingerie (avec diverses marques d’aujourd’hui, tantôt sélectionnées pour un modèle emblématique d’une époque, tantôt pour leur déontologie de fabrication).

Petite déception : déception, car j’attendais mieux du Victoria & Albert Museum ; petite, car cela reste plein de bonnes choses. L’aspect un peu foutraque de l’exposition permet notamment de se rendre compte de ruptures (le soutien-gorge est le premier sous-vêtement à maintenir la poitrine par le haut, plutôt que de la comprimer-soulever par le bas) et de continuités, entre les périodes (les faux-culs d’hier, ancêtres des culottes gainantes exhaustrices de popotin d’aujourd’hui) et les sexes (les mecs aussi ont leur push-up pour mettre (et remonter) le paquet). Quant à la focalisation sur le corset, elle se comprend par le faisceau de domaines qu’il croise et met en lumière :

  • esthétique : le corset modèle les corps en fonction d’un idéal qui varie avec les époques, comprimant certaines formes et en soulignant d’autres ;

  • technique : les matériaux jouent un rôle non négligeable dans l’évolution des sous-vêtements. Je découvre à cette occasion que si les baleines s’appellent ainsi, c’est parce qu’elles étaient fabriquées avec… des os de baleine1, relativement malléables une fois chauffés2 ;

  • thermique3 : témoin, ce corset d’été, fait dans un tissu grillagé, pour laisser le corps respirer ;

  • médical : dans l’ensemble, le corps médical était pour le maintien du corps de la femme (maintien physique et contrôle social ?), mais réprouvait les excès de la mode, dont les ravages nous sont indiqués radios à l’appui. On constate en effet que le port du corset étroitement lacé atrophie la cage thoracique, et on comprend mieux toutes ces femmes qui, au théâtre et dans les romans, tombaient dans les pommes à la moindre occasion ;

  • moral : une femme bien corsetée, quelque part, c’était une femme qui savait se tenir… Ces mœurs étaient manifestement intériorisés par les femmes qui se sentaient nues sans leur corset – à tel point que lors des guerres mondiales4, alors que les métaux employés pour fabriquer les baleines étaient réquisitionnés pour servir d’armes, on a créé des corsets en papier !

  • érotique : cet aspect est évident aujourd’hui, où le corset est débarrassé de son aspect pratique, mais il vaut aussi pour les époques passées, ainsi que le suggère une superbe robe5 effet déshabillé du XIXe siècle, avec dessous dessus (contredisant quelque peu le cartel qui, quelques mètres plus loin, présente le dévoilement du soutien-gorge comme une audace de couturier moderne).

L’aspect hygiénique est également évoqué via la couleur du linge de corps : le choix du blanc (qui semble aujourd’hui aberrant à n’importe quelle fille pubère) s’explique par le fait que, contrairement aux tissus teints, le tissu brut pouvait être bouilli…

Au final, on s’horrifie, on glousse et on s’instruit un peu. Le sujet anecdotique s’avère plus riche que prévu : le sous-vêtement fait corps avec son époque. Du coup, restée sur ma faim mais mise en appétit, je me lancerais volontiers dans la lecture d’une histoire un peu plus structurée ; si vous avez des titres (de préférence en poche), n’hésitez pas à me les donner en commentaire.


1 Dans la série je-tombe-de-l’arbre, je découvre que le terme crinoline vient du crin de cheval. Ne vous moquez pas, j’ai récemment appris à Palpatine qu’un pruneau était une prune séchée.
2 Je me demande combien de corset on pouvait fabriquer avec une baleine ; cela ferait un énoncé de mathématiques très oulipien…
3 En parlant de température : il serait temps de remettre au goût du jour le jupon matelassé comme une doudoune Uniqlo. #SortirAvecSaCouette
4 Dans le registre « guerre » était également exposée une espèce de robe de chambre-combinaison destinée à être enfilée vite fait en cas d’attaque nocturne. Après le bleu de travail, le marron de nuit.
5 Je l’aurais bien prise (avec le soutien-gorge aux multiples bretelles attachées au cou), mais il manquait une bonne trentaine de centimètres…

 

Des courtisanes

Splendeurs et misères : légende dorée et légende noire, mais toujours légende. Il est difficile d’à la fois montrer des représentations et de les mettre à distance pour dégager la plus ou moins grande part de fantasme qui y est attachée. L’exposition que le musée d’Orsay consacre aux images de la prostitution, n’échappe pas à cette difficulté : fascination esthétique et curiosité historique s’éclipsent alternativement et le spectateur, constamment renvoyé de l’une à l’autre, a du mal à ajuster sa vision, comme passant de la pénombre à la plus vive clarté et inversement. Le contraste n’est pas seulement celui, social, qu’il peut exister entre le « bouge à matelots » et la demi-mondaine qui dicte les tendances mode sur les marches de l’Opéra ; c’est aussi et surtout celui qui se dessine entre le contrôle policier exercé sur les prostituées au prétexte de l’hygiène publique et les représentations d’artistes tous masculins qui les fétichisent, que cela soit sur le mode laudatif (on idolâtre la demi-mondaine, quitte à avoir une danseuse si on n’a pas les moyens d’entretenir une courtisane en vue) ou péjoratif (on est la victime innocente de ces femmes prédatrices – au teint régulièrement verdâtre : absinthe que les « verseuses » peuvent vous servir ou couleur du poison qu’on vous administre sous la forme d’une maladie vénérienne)1.

Même si j’ai aimé découvrir ou apprécier IRL certains tableaux (Rolla de Gervex, notamment), l’aspect de contrôle social est celui qui m’a semblé de loin le plus intéressant : l’ouverture des maisons de tolérance, sous couvert de contrôle hygiénique, était finalement une tentative de se prémunir de toute mixité sociale, de lever l’ambiguïté qui régnait de jour dans l’espace publique (thème des premières salles de l’exposition), où l’on ne pouvait pas distinguer d’une manière absolument certaine la prostituée de la femme respectable – sans compter les femmes exerçant des métiers peu rémunérateurs qui cherchaient là de quoi arrondir leurs fins de mois. Les filles des maisons closes (partie centrale de l’exposition), encartées, sont appelées les « soumises » : quand on sait les dettes qui les liaient à la tenancière des lieux, que l’on voit une photo de leur dortoir2 et les examens réguliers auxquels elles étaient pliées (non, je ne veux pas savoir ce que recouvre exactement le terme de « douche périnéale »), on se dit que soumises est bien le terme. On aurait presque envie d’employer celui d’emprisonnées s’il n’était déjà pris par leurs collègues « insoumises » raflées par la police et menées à Saint-Lazare, qui faisait office à la fois de prison et d’hôpital pour les maladies vénériennes. Tout ce beau monde figure dans les dossiers magnifiquement calligraphiés de la police, aux côtés des « pédérastes » dont les liaisons sexuelles sont minutieusement consignées (Melendili me raconte à la sortie qu’on a retrouvé le nom de Proust dans un de ces fichiers). Pour approfondir tout cela, il faudrait se résoudre à affronter l’écriture pleine de circonvolutions d’Alain Corbin et lire Les Filles de noces…

Même si cela n’excuse pas le sort réservé aux femmes, seules tenues pour coupables, on comprend mieux cette frénésie de contrôle quand on voit les photos cauchemardesques de patients atteints de syphilis – autrement plus traumatisantes que les clichés pornographiques disposés dans deux salles interdites aux moins de 18 ans. On pénètre dans ces cabinets de curiosité en écartant les pans d’un rideau rouge : une manière, sûrement, de redonner un caractère sulfureux à des images qui paraissent aujourd’hui relativement soft (même si on met parfois un certain temps à déterminer quelle partie du corps appartient à qui3, surtout quand un pénis sort d’un tas de jupon – « homme en bas et jupons », confirme la légende). Les pratiques photographiées, nous dit-on dans la première salle, n’ont rien à voir avec ce qui se passait au bordel : il s’agit d’images créées en studio et destinées à être consommées indépendamment de la chair qui y est représentée. Même s’il n’y a guère que les prostituées qui acceptent de poser pour ces photos, elles relèvent finalement moins de l’histoire de la prostitution que de la pornographie (dont on oublie de rappeler qu’elle est étymologiquement écriture sur la prostituée, et que c’est à ce titre de représentation qu’elle a sa place dans l’exposition). Pour la photo-souvenir, ancêtre de la sextape, il faudra attendre la seconde salle et les progrès de la chimie pour qu’un non-professionnel puisse prendre des photos (moins acrobatiques, du coup).

Ces photos, qu’on sait pourtant mises en scène, brouillent la frontière entre réalité historique et fantasme collectif plus encore que les tableaux des artistes peints avec leur subjectivité d’homme – à un détail près : celui des corps. On voit la réalité des corps ; leurs formes plus opulentes que celles aujourd’hui représentées, déformées par des années de corset, permettent de faire la part entre le canon d’une époque et les déformations de l’artiste hanté par sa créature, parfois représentée à la limite de la difformité.

L’exposition perd un peu en cohérence sur les dernières salles, vaguement plus fourre-tout. « Prostitution et imagination » rassemble les délires qu’inspire la femme à la fin du XIXe siècle (je découvre une belle estampe de femme-squelette et voit IRL ce tableau complètement barré d’une domina qui balade ses cochons, découvert au collège en TPE autour du roman non moins barré de Huysmans), tandis que « Prostitution et modernité » colle tout ce qui aurait juré dans les salles précédentes par des formes ou des couleurs un peu trop vives. Le contraste, il est vrai, est frappant avec les tableaux pour lesquels les maîtresses des uns et des autres ont posé. On retrouve en filigrane cette question que je trouve assez fascinante : à quel moment un nu n’est-il plus assez mythologique ou biblique au point qu’on le décrète choquant ? Et rétrospectivement : dans quelle mesure Marie-Madeleine et consorts sont-elle un prétexte à se rincer l’oeil dans l’amour du prochain ? La limite est extrêmement ténue4 : il suffit de quelques poils sous les bras pour que la nymphe redevienne courtisane ou d’un regard en coin pour que Vénus devienne une Marie couche-toi là…

Je suis restée un peu frustrée, je crois, que les approches historiques et artistiques s’entrechoquent plus qu’elles ne se complètent. C’est inhabituel pour moi, mais quitte à choisir, j’aurais aimé que la composante historique l’emporte : autant l’imaginaire artistique de la prostitution, a l’a tous plus ou moins intégré, autant la source et la déconstruction de cet imaginaire… Il m’a semblé que les gens se pressaient autant sinon plus autour de cartes de visites et jetons de bordel exposés dans les vitrines (autour d’un canapé certes très désirable dans cette exposition surpeuplée) que devant les images interdites aux moins de 18 ans. « C’est un porno », dit d’une voix déçue celui qui croise un camarade coudoyant en sens inverse. Les cartes de visites et les jetons laissent paradoxalement d’autant plus de place à l’imagination qu’ils sont des vestiges tangibles du passé – on fantasme moins qu’on n’essaye de se projeter et de comprendre, s’amusant des variantes dans le vocabulaire constant de l’amour marchant, et reliant les « massages suédois » d’hier aux massages thaï d’aujourd’hui… Un désir de comprendre, en somme, ce que la prostitution d’hier peut nous apprendre de l’homme d’aujourd’hui.

Bonus balletomane
Relation abonné-danseuse oblige, l’expo comporte :

  • une statue de Cléo de Mérode,

  • des tableaux représentant le carnaval à l’Opéra (je mets un certain temps à me rappeler que Garnier n’existait pas encore à l’époque de certains tableaux et que c’est donc l’opéra rue Peletier qui est représenté),

  • une mosaïque taille carte de visite des gambettes de l’Opéra – en réalité des mollets. C’est néanmoins suffisant pour constater que la chair avait le droit de cité.

  • L’Étoile, de Degas. Je n’avais jamais remarqué l’abonné avec son haut de forme en coulisses, mais quand on y prête attention, il entre étrangement en résonance avec la seule autre touche vraiment noire du tableau, le ruban de velours que l’étoile porte au cou – comme une corde ?

 


1 Toulouse-Lautrec est l’un des seuls à « calmer le jeu », celui qui résiste le mieux peut-être à la légende noire comme à la légende dorée : ses dessins montrent des femmes avant de montrer des prostituées.
2 Les mineures avaient des chambres à part. Curieux traitement de faveur : quelle innocence ou quelle respectabilité peut-on vouloir encore préserver chez une jeune fille que l’on prostitue ?
3 Dans le même ordre d’idée, je cherche toujours dans quels sens devaient s’agencer les corps sur la « chaise de volupté » de je ne sais plus quel homme important, dont la corpulence tout aussi importante l’a conduit à aménager ses plans à trois. Pourtant, il y a des étriers (comme chez la gynéco) et des cale-pieds dorés (starting block pour course de fond, à n’en pas douter).
4 En lisant Strapless, j’ai découvert avec stupeur que Madame X de Sargent avait fait scandale à cause de la bretelle tombée sur l’épaule de la modèle… Mieux valait tout voir bibliquement que de suggérer la moindre audace.

 

L’étoffe d’une artiste

Élisabeth Louise Vigée Le Brun, dans son autoportrait, brille d’une beauté que seule une vive intelligence peut donner. Coincés derrière un groupe dès l’entrée (où il a été accroché), Palpatine et moi recommençons à poireauter. Nous apprenons en vrac que l’artiste est autodidacte (avec un père pastelliste, tout de même), que c’est une reine du marketing (la silhouette que le personnage de son autoportrait est en train de peindre se charge de rappeler qu’elle compte Marie-Antoinette parmi ses modèles), qu’elle est une des première à montrer les dents et que cela est pour beaucoup dans l’impression de naturel que dégagent ses portraits (avec le maquillage réduit), que les portraits coûtent plus chers s’ils figurent un bras, plus chers encore s’ils figurent les deux bras et que ceux en pied en coûtent un (de bras), ou encore que la transparence du turban est obtenue en appliquant plus ou moins de vernis noir sur un fond blanc (cela me donne envie d’essayer la turban comme coiffure). Mais les commentaires importent finalement moins que le temps qu’ils ménagent devant l’œuvre, permettant au tableau de se lever devant nous. Il cesse d’être un objet accroché dans un cadre, que l’on regarde par-dessus des épaules, comme si l’on n’avait pas l’âge d’aller au musée ; il se lève et vient à notre rencontre, nous invitant dans son univers, fascinant comme celui des miroirs, parce qu’autre – et identique à la fois.

Pendant deux heures, dans le moment même où l’on joue des coudes dans la mêlée, on se prélasse dans la douceur des étoffes, gagné par la sensualité qui s’en dégage. Parfois, les tissus sont plus éclatants que le modèle, qu’on imagine alors d’une personnalité assez terne ; mais parfois aussi, tout n’est plus que teint de pêche velouté, lèvres soyeuses, cheveux duveteux, yeux satinés et l’on est irrésistiblement intrigué, attiré par ces portraits lumineux, incroyablement vivants. Ils me laissent apaisée, délassée. Le XVIIIe siècle n’est pas ma période de prédilection en peinture, mais comment ne pas soupirer d’aise lorsque les pinceaux nous caressent dans le sens du poil ?

(On passera sur les cartels, toujours écrits en police 12, qui vantent l’œuvre plutôt que d’en donner des clés, et les commentaires pédants de certains visiteurs – dont un qui ne m’a plus fait voir que les coussins, parce qu’effectivement, la peintre fait souvent poser ses modèles le coude sur un coussin et je commençais à avoir mal au dos.)

 

Broder sur une certaine idée de la mode

L’exposition Lanvin présentée au musée Galliera pourrait être résumée en quelques mots-clés, martelés par des cartels par ailleurs fort bien rédigés.

Mère-fille

Jeanne Lanvin avait, semble-t-il, une relation assez fusionnelle avec sa fille, Marguerite. La petite fille et sa mère figurent ensemble sur le logo de la maison, dessiné par Paul Iribe à partir d’une photo de fête costumée (elle aussi exposée). On le retrouve sur les flacons de parfum de la maison (c’est curieux de retrouver dans une vitrine de musée ce qui appartient pour moi à la collection de flacons de Mum) et jusque sur les ex-libris de la couturière (l’ex-libris, ce fantasme de bibliophile). La jeune Marguerite est également à l’origine de la réorientation de sa mère, modiste, vers le vêtement – pour enfant. Sont exposées des tenues de petites filles modèles qu’on a bien du mal à concilier avec l’idée d’amusement. Pouvait-on seulement goûter ainsi habillée ?

Nœud

Symbole du lien affectif entre la mère et la fille ou simple élément de mode (faut pas pousser mémé dans les orties non plus), le nœud revient assez souvent sur les robes de Jeanne Lanvin. On en trouve des vrais, en tissu (des discrets, pour nouer les ceintures des robes ; un plus volumineux, qui fait des ailes de sylphides dans le dos de la robe) et d’autres à plat, comme motifs de broderie.

Broderie

S’il y a un dénominateur commun entre les robes exposées, c’est bien les broderies qui les ornent. J’ai été un peu déçue déconcertée par cette conception très ornementale de la mode, où le vêtement est moins un agencement de proportions et de volumes qui sculptent la silhouette qu’un prétexte à parure. En y réfléchissant, pourtant, on retrouve semblable divergence en architecture où l’on privilégie tantôt les volumes (avec des lignes épurées) tantôt l’ornement (sur une structure plus simple). Jeanne Lanvin inclut sautoirs et autres bijoux dans ses robes mêmes. Perles, sequins, cabochons, cristaux de Swarowski (comme par hasard mécène de l’exposition) compensent ainsi la simplicité des coupes : les robes sont souvent longues, droites, avec un haut blousant resserré sous la poitrine ou à la taille et de longues manches. Ce n’est pas franchement exaltant, même si ces robes devaient donner une certaine prestance, qu’on imagine à partir des ports de bras et des mains maniérées des croquis. Il y a en effet dans ces grandes manches ouvragée une certaine noblesse, que confirment les noms de comtesse qui les ont eu dans leur garde-robe. Marguerite elle-même devient comtesse de Polignac (et son mari de la rebaptiser Marie-Blanche – Marguerite, c’est d’un commun…). Il n’empêche, tout cela sied mieux à la maturité (ou à la petite enfance) qu’à la jeunesse : j’ai été presque choquée par la totale absence de décolleté. De fait, les dos sont souvent bien plus élégants que les bretelles ou cols ronds de devant. Et cela est sage, tellement sage. Presque ennuyeux. Disons élégant. 

Élégance

La nouveauté est une telle idole dans nos sociétés, qui fonctionnent sur des mythes positivistes, que l’élégance fait pâle figure à côté, comme tombée en désuétude. Le commissaire d’exposition s’excuserait presque de ne pas pouvoir parler de révolution ni citer telle ou telle robe comme coup d’éclat qui aurait marqué l’histoire de la mode. N’aurait-il pas mieux valu, alors, se concentrer sur l’histoire tout court et nous plonger dans une époque où l’élégance était autrement appréciée ? L’exposition ne parvient pas vraiment à nous faire pénétrer un monde qu’évoquent quelques photos et croquis publicitaires. Une plaque « Madame / Défense d’entrer / S’adresser en face » indique pourtant à elle seule une certaine époque et hiérarchie sociale – une époque où la robe du soir prenait son sens par rapport à une « robe d’après-midi », ainsi qu’on peut le lire sur la légende de certains croquis. Ces indices parlent malgré eux ; ils n’ont pas été arrangés comme c’était le cas du Roman d’une garde-robe, au musée Carnavalet, qui exposait moins de pièces, parfois moins raffinées, mais réussissait à rendre la vie des maisons de coutures et de ses clientes. L’approche n’est pas la même, me direz-vous – musée historique vs musée de la mode –, mais on sent que le poids de l’histoire travaille le commissaire de l’exposition Lanvin lorsqu’il qualifie de « belles endormies » certaines robes, sûrement trop fragiles pour être enfilées sur des mannequins, exposées à plat dans des vitrines. À défaut de nous faire entendre la petite musique d’une époque, le commissaire file la métaphore musicale, avec d’ingénieux miroirs installés au-dessus des vitrines horizontales, comme des couvercles de piano, grâce auxquels les robes « se lèvent », mi-souvenirs mi-apparitions. Il faudrait imaginer, aussi, les concerts et opéras qui ont inspiré les noms de certains modèles et fourni l’occasion de les porter, mais le parfum de cette époque (Arpège…) s’est éventé depuis bien longtemps.

Savoir-faire

Je ne sais pas combien de fois le mot « savoir-faire » apparaît sur les cartels, mais en nombre suffisant pour créer une certaine frustration : on voit ce qui est fait, qui est exposé là, devant nous, mais on ne sait pas le travail, les techniques que cela implique. Le peu de place est peut-être en cause, mais je regrette que l’exposition ne soit pas plus pédagogique. Qu’est-ce que cela aurait été si l’idée géniale de l’exposition Valentino à Londres avait été reprise ! La dernière salle était consacrée au savoir-faire, justement, avec des vidéos montrant les gestes des couturières et des échantillons de leur production à différentes étapes. Les organisateurs de cette exposition l’avaient bien compris : c’est du tour (de main) que surgit la magie. Elle n’opère donc pas vraiment à l’exposition Galliera, qui mise davantage sur la nostalgie d’un monde perdu qu’elle ne cherche pas à ressusciter. 

JPG, la mode haute résolution

Marinières, corsets, seins coniques… on n’est pas dépaysé dans l’exposition Jean-Paul Gaultier présentée au Grand Palais, mais on s’y amuse bien. Cela tient essentiellement à la vision fort ludique qu’a le créateur de la mode, avec le défilé comme acmé : il faut que cela bouge, il faut que cela vive, il faut du spectacle ! Cela se sent dans la scénographie de l’exposition : dès la deuxième salle, une lumière bleutée nous plonge dans un univers peuplé de marins et de sirènes et, oh mon dieu, j’ai failli faire une crise cardiaque, la sirène a ouvert les yeux ! Un vidéoprojecteur fait bouger les traits de chaque mannequins façon GIF animé en 3D : l’effet est saisissant. Un peu freaky aussi, il faut bien le dire – surtout la poupée de Jean-Paul Gaultier, autour de laquelle le public s’agglutine pour l’écouter répéter son petit discours d’accueil. Et involontairement drôle lorsque la lampe du vidéoprojecteur commence à donner des signes de faiblesses et fait sauter un visage sous LSD. On croyait visiter un exposition de mode et voilà qu’on se retrouve au musée Grévin : la scénographie éclipserait presque les vêtements. Ce serait dommage pourtant, parce que la marinière décolleté sur les épaules et dont les rauyres sont rassemblées en bas du dos en une longue traîne est tout simplement magnifique.

Parmi les autres trouvailles de mises en scène, il y a les cercles percés dans une cloison pour observer à la dérobée des tenues d’inspiration SM, ainsi que la reconstitution d’un défilé, plus classique mais toujours efficace. On s’amuse à repérer les étiquettes des invitées sur les chaises (on trouve parfois rien qu’à la coiffure – je ne m’étais pas rendue compte à quel point une coiffure peut marquer la silhouette) puis, profitant d’une éclaircie autour du podium, on se plante devant en attendant que les robes défilent devant nous comme les bagages à l’aéroport. J’aurais bien prétendu que les numéros 2 et 9 étaient à mon nom : @melendili avait déjà repéré la première pour moi (une faussement simple robe grise retroussée sur la cuisse pour découvrir une jarretelle rouge) et j’ai flashé sur une robe-manteau au dos et aux poignets exquis (si le diable se cache dans les détails, les grands couturiers sont sans doute possible diaboliques).

 

Mes amis me connaissent tellement bien…

 

La scénographie est hélas loin d’être un sans faute : la lecture des cartels fait partager le calvaire de couturières brodant noir sur noir. Police 8 et grande affluence vous dissuadent de chercher le nom du mannequin qui pose sur cette photo-ci ou le tissu de cette robe-là. Certains visiteurs en viennent à palper les étoffes, sans même déclencher l’ire de gardiens de toute manière débordés. C’est d’autant plus dommage qu’on loupe sûrement des pépites, à en juger par la robe de « sainte-nitouche » exposée dans la première salle, tête chastement couverte et… seins offerts.

Seins nus également sous un haut-chapeau qui entoure le buste comme le coquillage de la Vénus de Botticelli. Dans les tenues de Jean-Paul Gaultier, les poitrines ne sont jamais dévoilées : elles rayonnent et s’affirment avec une force semblable aux nus d’Helmut Newton. Une citation de Madonna je crois explique que les corsets du créateur, portés sur et non sous les vêtements, donnent une sensation de puissance, loin de corseter celles qui le portent dans un corps de femme idéalisé. Venez comme vous êtes a chez Jean-Paul Gaultier une tout autre résonance que chez McDo : les cartels, causant punks, orientation sexuelle, féminisme, fétichisme et droit à la différence, sans être faux, sont encore loin de sonner juste, mettant des mots-étiquettes sur ce que le créateur met en scène dans un joyeux bazar – incluant une James Bong girl avec maillot de bain à capuche et palmes-stilettos.

La scène : voilà l’univers naturel de Jean-Paul Gaultier, qui a créé des tenues pour des chanteuses (Mylène Farmer, Madonna, Kylie Minogue…), pour le cinéma (la tenue de Lilou Dallas multipass, c’est lui ; le tigre de La piel que habito aussi !) et même pour la danse (Maurice Béjart ou Angelin Preljocaj). L’exposition réserve ainsi quelques frissons aux balletomaniaques : une paire de pointes accrochées à un perfecto en cuir (de vieilles Capezio, je suis allée regarder), un extrait vidéo de la Blanche-Neige de Preljocaj, ainsi qu’un bustier entièrement fait de rubans de satin (plus jamais, après ça, vous ne vous plaindrez de coudre les rubans de vos pointes).