Étiquette : cinéma

Une fois n’est pas coutume, je ne vous raconterai pas la fin. Mais c’est bien parce qu’il n’y en a pas.

Il y a toujours un moyen d’entrer… mais pas de (s’en) sortir, apparemment.

Dans la maison, il y a Raph, le Charbovary que Claude choisit comme camarade-cobaye, Raph, le père de Raph, qui, comme son fils, aime le basket et les pizzas, et Esther, la mère de Raph, qui a « cette odeur particulière des femmes de la classe moyenne » et passe ses journées le nez dans ses magazines de décoration. C’est bien connu, les femmes de la classe moyenne ne travaillent pas et les gamins de tous les collèges publics portent un uniforme à l’anglaise. L’irréalisme fait partie intégrante de la narration : il faut que Claude puisse fantasmer sur une famille pas comme la sienne et que le collégien en reste un en-dehors des heures de classe. Car tout l’intérêt réside dans les rédactions que Claude remet à son professeur de français, à partir de ce qu’il a observé en s’introduisant dans la maison de Raph. D’abord invité par son camarade pour l’aider en maths, Claude passe peu à peu de la chambre de Raph aux autres pièces de la maison, s’immisce dans la vie de la famille puis son intimité.

Heureux d’avoir déniché une plume prometteuse parmi ses élèves, Germain pousse Claude à continuer son récit et à travailler son écriture. La meilleure partie du film réside dans ces savoureux exercices de style où Germain essaye de faire prendre conscience à Claude de la nécessité de se forger un style et où celui-ci adopte tous ceux que son professeur croit deviner dans son feuilleton sur la famille Raph. La superposition de la lecture des rédactions aux images vécues par Claude donne corps à l’écart entre la réalité et sa vision, dont on finit par voir qu’elle est indissociable de cette prétendue réalité première. En effet, le jeu de la famille change selon l’angle de narration adopté : des attitudes et discours stéréotypés choisis pour donner raison au mépris initial de Claude (mépris sublimé en satire par Germain), on passe peu à peu à une expression plus naturelle à mesure que se développe l’empathie de Claude-narrateur (naturalisme pour Germain) pour finir dans le mélodramatique lorsqu’il se met à tout confondre, ses désirs avec ceux de Germain, le sentiment d’être proche de l’autre avec la manipulation d’un personnage, et pour tout dire fiction et réalité (mauvaise série B pour Germain, qui prend peur et refuse de continuer). L’idée est fort bonne, tout comme l’interprétation de Luchini en professeur réac qui déteste les œuvres d’art contemporain qu’expose sa femme presque autant que la médiocrité de ses élèves.

Là où cela se gâte, c’est que Claude n’a aucune idée de ce qu’il veut raconter et le réalisateur, pas davantage. Claude voulait seulement capter l’attention de son professeur ; on a bien volontiers accordé la nôtre au réalisateur qui, après avoir fait monter le soufflé, le tire soudain du feu et le fait retomber d’un coup (un soufflé, ce n’est pas la même chose que des marrons, zut, quoi). La narration du film s’est calée sur celle de Claude : n’ayant pas su s’en détacher au moment critique, elle souffre des mêmes défauts. Le lecteur-spectateur est balloté et finit par se lasser des brouillons de fins qui n’en finissent pas. On avait là la structure idéale pour un « thriller littéraire » – titre que le film aurait mérité s’il avait été jusqu’au bout –, le pouvoir de manipulation est à peine exploité : quelques esquisses de drames familiaux mal préparés dans les brouillons de fins et un sujet de maths volé par Germain, qui entraîne certes son renvoi mais avec une telle précipitation narrative qu’on a du mal à avaler l’hyperbole. Pas de secret de famille dévoilé, pas même un projet de vengeance à l’encontre du professeur : l’édifice narratif, dans lequel on est entré parce qu’il semblait prometteur, n’a en réalité aucun sous-bassement et s’écroule finalement comme un château de cartes – avec comme joker un désir de paternité contrarié. Très contrariant, en effet.  

« le crack des effets spéciaux cousus main Michel Gondry revient avec un intense huis clos »,
« adroitement trahi par des ouvertures sur le monde extérieur via les réseaux sociaux, liens YouTube et SMS envoyés à la mitraillette »

Étienne Rouillon, Trois couleurs, n° 104. 

Les films de Michel Gondry que j’ai vus sont un curieux mélange de bric-à-brac (La Science des rêves), de sensibilité (The Eternal Sunshine of the Spotless Mind) et d’humour potache (Soyez sympas, rembobinez !). Presque aucun carton n’a été maltraité pour The We and the I : la sensibilité potache parvient à elle seule à dresser le portrait d’un groupe d’adolescents mouvant et mouvementé.

À bord d’un bus de ramassage scolaire, où se sont aussi perdus quelques civils pour leur plus grand malheur, les groupes sociaux se font et se défont au gré des arrêts et des affinités exclusions successives : caïds/souffre-douleurs, canons/pas sexy, frère et sœurs/bande, ceux qui y étaient/ceux qui n’y étaient pas… La référence récurrente aux invitations qu’une fille canon doit lancer pour son sweet sixteen est révélateur du groupe qui se définit par ce qu’il rejette, avec un système de liste blanche et de liste noire.

Certains tentent bien de se mettre sur liste rouge mais ils n’échappent pas pour autant aux sarcasmes des autres. Car l’exclusion se fait d’abord par le rire, gras comme la crème posée sur le siège juste avant que la victime de l’instant ne s’y assoit ou le beurre étalé sur le sol pour qu’un des collégiens vienne s’y rétamer sous l’œil d’une caméra – vidéo-gag qui est la chose la mieux partagée dans le bus. Cette chute répétée jusqu’à l’écœurement préfigure celle, finale, qui mettra fin au comique de répétition. La tragédie arrive sans qu’on y prenne gare, tout comme la cruauté arrive sans qu’il y ait eu réelle intention de méchanceté. Celle-ci se loge dans l’indifférence, feinte ou réelle, à l’autre et à l’humiliation qu’on lui fait subir pour éviter d’en être soi-même victime.

La violence est diffuse, psychologique plus que physique, jamais sérieuse, toujours ricanante : pas d’agression, de vol ou de racket (on ne taxe que des cigarettes, même pas de joint), seulement de la casse, morale (et que je t’enfonce comme une sous-merde) et matérielle (et que je te défonce ta guitare). Du coup, c’est le Bronx générique et non pas géographique qui est le sujet du film – le groupe et non la classe sociale (même si, évidemment…). On voit comment le We écrase le I, de la même manière que le possesseur de la guitare s’écrase, sans moufter, quand on la détruit devant lui. Pas de rébellion : patient, on attend et on souffre jusqu’à ce que le bus passe devant chez soi – y compris pour donner rendez-vous à un morveux qu’on a mouché comme il se doit devant les autres.

Si la tension s’apaise à mesure que le bus se vide, c’est parce que certaines histoires se sont dénouées à coup de flashbacks texto ou vidéo (mais pas téléphonés pour autant), préparant le spectateur à la fin (apaisée pour le ménager), mais aussi parce que le We s’efface devant le I, au point de ne plus désigner le groupe, défini par l’exclusion, mais le binôme amical ou amoureux potentiel, soudé par affinité. Ce n’est donc pas par manque d’imagination qu’après « The Bullies », « The Chaos », la troisième partie reprend le titre du film. The We and the Aïe.

Je n’en aurais pas mis ma main à couper, mais Palpatine a apprécié. 

L’affiche rend davantage compte du public, attiré par Fassbender, que du film, avant tout porté par Mia Wasikowska.

Cari Fukunaga ne lésine pas sur la brume et le mystère pour sa Jane Eyre, mais il est plus réservé sur les élans lyriques : la passion se trouve davantage du côté de la souffrance, qu’elle soit physique (la tête cognée contre le mur avec un bouquin – hardback, évidemment -, j’en ai encore mal rien que d’y penser) ou morale (viens-là que je t’humilie). La flamme n’a rien de métaphorique : c’est le feu qui permet de se réchauffer un peu, qui met en lumière les zones d’ombres autour de M. Rochester et qui finira par ravager Thornfiels-Hall. En somme, on ne brûle pas d’amour, mais on meurt de froid (et de tuberculose).

Cet univers où l’abandon n’est jamais amoureux met bien en valeur la tenacité de Jane. Muette quand il y a tout lieu de se plaindre, elle a la répartie bien sentie lorsqu’on veut s’apitoyer sur son sort (mais comme M. Rochester en a aussi, cela donne des répliques piquantes : interrogeant Jane sur sa vie passée, qu’elle a d’emblée refusé de qualifier de drame, il conclut ironiquement qu’avoir été chassée par sa tante et traitée comme une moins que rien en pensionnat, effectivement, aucun drame ; un peu plus tard, Jane ayant défendu ses dessins en expliquant que peindre est le plus grand plaisir qu’elle a dans la vie, il lui rétorque qu’elle n’a pas du en connaître beaucoup). Loin d’être une pauvre petite chose, elle possède, comme le lui fait remarquer Helen avant de mourir, la volonté de vivre. Et c’est donc avec une constance qui laisse peu à peu apparaître force et détermination là où l’on ne voyait qu’indifférence, qu’elle fait face à la vie. Il y a chez elle une espèce de droiture, comme naturelle, l’aplomb de ne s’être jamais égarée, jamais arrêtée, qui lui permet d’avancer avec simplicité, pour ainsi dire sans effort, sourde à toute faiblesse avec ses bandeaux de cheveux sur les oreilles (ou dessous, ce qui est encore pire – c’est vraiment la seule coiffure qui ne va à personne ; à croire que Miss Ingram, très intéressée par M. Rochester, l’a inventée pour enlaidir la gouvernante). Elle aurait lu chaque jour les stoïciens que je n’aurais pas été surprise. 

La pénétration progressive de M. Rochester dans son univers en est d’autant plus savoureuse. Sa vie désordonnée parvient à ébranler Jane et à jeter en elle quelque trouble (à peine visible sur son visage sévère – il faut que M. Rochester lui fasse remarquer qu’elle rougit pour que le spectateur s’en aperçoive, comme si elle était quelque galante fardée de blanc au théâtre). Difficile en effet de ne pas être sensible à Michael Fassbender et à sa présence de chair et de sensualité. Des yeux et une mâchoire, je suis prête à me faire dévorer. Enfin Jane, en l’occurrence. Qui, fidèle à elle-même, attendra  de pouvoir céder sans cesser de se respecter, nous faisant au passage découvrir Jamie Bell en pasteur et quelques landes désolées.