Quand Lalo remplace Lola…

 

… Palpatine n’est pas nécessairement dans tous ses états. A chaque orchestre ses beautés : une violoncelliste pour l’orchestre de Radio France, dirigé par Myung-Whun Chung. Pour une fois, le nom m’est familier, l’enregistrement de mon CD de l’Arlésienne s’est fait sous sa baguette. Peut-être bien magique, parce que j’ai du mal à comprendre quelles les musiciens peuvent en retirer : la mesure, peu exubérante, je vois bien, mais les vagues latérales initiées par les bras et suivies par le corps, ou la main gauche par laquelle tout le corps secoué de tremblement se raccroche au vide, je ne vois pas trop. On dirait parfois qu’il est possédé par la musique plus qu’il ne la dirige, mais cela doit être une impression de non-mélomane. Quoique… Palpatine penche pour le pilotage automatique de l’orchestre, parce que toujours est-il que ça marche (cette phrase n’est absolument pas française, mais je commence à être fatiguée et je ne vois pas où ça coince précisément – help me).

 

Deuxième nom imprononçable de la soirée, qui me fait irrésistiblement penser à de la mousssaka, bien que l’association phonétique soit une hérésie aussi bien géographique que culturelle : Moussorgski, dont des extraits de la Foire de Sorotchinski ouvre la soirée. C’est enlevé et coloré comme un marché – oriental ou méridional, parce que je peux vous assurer que ce n’est pas le genre de sonorité qu’on trouve en Dordogne.

Le méditerranéen, malgré que j’en ai, n’arrive qu’avec le deuxième morceau, une symphonie espagnole d’Édouard Lalo, dans laquelle on entendrait presque des accents tziganes de temps à autres. Mais c’est peut-être à cause du violon de Vadim Repin, dont je n’aime pas trop le son grinçant. Sans aucune gitane qui danse à son rythme, cet instrument geignard ne s’accorde pas de l’orchestre en bon ordre au milieu duquel il évolue, ni du costume impeccable de son maître (parce que c’est évident qu’il le maîtrise avec classe), qui n’est pas en train de mendier quelques larmes à son public.

Cela m’agace et ne cesse donc pas de m’attirer, jusqu’à ce que le violon revienne en grâce à l’oreille que je n’ai pas avec le morceau bonus joué par Vadim Repin et les autres cordes, qui, après enquête, se révèle être des variations sur le Carnaval de Venise de Paganini. C’est vrai que le soliste avance masqué : sans rien annoncer au public, il adresse quelques mots aux violonistes dont la mine se réjouit (celui qui est le plus excentré battait déjà joyeusement, de son archet sur le pupitre, la mesure des applaudissements), ainsi que celle de Palpatine lorsqu’il fait le signe de pincer les cordes. L’orchestre hoche la tête, le violoniste se met en joue et fait feu -d’artifice : le morceau est génial, ça sautille, esquive, feinte, sautille à nouveau et me donne envie de danser. Vadim Repin est visiblement virtuose, il se joue des difficultés et tous les musiciens semblent beaucoup s’amuser. Rire du public aussi : après avoir calé les pincements de corde, ceux-ci s’avèrent trop ténus pour que le soliste ne les recouvre pas en jouant, si bien qu’il fait mine de tendre l’oreille et aussitôt le volume augmente, comme si l’on avait tourné le bouton d’une chaîne hifi.

A l’entracte Palpatine hésite à se faire tenir la jambe par l’ami bavard, et finit par alpaguer l’ami russe pour qu’il nous en fasse une imitation, qui me fait rire sans pour autant connaître l’original et me donne une idée de l’énergumène. L’imitation des différents chefs d’orchestre, à la sortie, valait également son pesant de cacahuètes. Sonnerie – Palpatine se rassoit tranquillement en disant que le meilleur est passé. Peut-être mon esprit de contradiction s’est-il réveillé à ces mots, peut-être ne suis-je tout simplement pas lassée par le top 50 des salles de concert que je fréquente assez peu, peut-être aussi mon préjugé est-il naturellement favorable au compositeur de musique de ballet : toujours est-il que la symphonie pathétique (n°6) de Tchaïkovski m’a beaucoup plue. Même si je décrochais parfois brièvement de temps à autres, mon attention avait moins de mal à se concentrer que lors de la première partie (certes, l’effet gâteaux à l’entracte n’est pas à négliger non plus dans le degré d’éveil), dont les huit minutes du premier morceau, notamment, étaient vraiment trop courtes pour qu’on puisse entrer dedans et en profiter pleinement. J’adore les moments de quasi-silence où l’on se demande presque s’il va l’emporter sur la musique, avant que celle-ci ne reparte avec plus d’allant. Je ne suis pas certaine d’avoir trouvé cela « pathétique », à moins d’y entendre moins la pitié que l’empathie. Mais bon, pas besoin de souscrire au larmoyant, le programme précise même que le compositeur n’a pas ajouté l’adjectif de lui-même, et qu’il est davantage à entendre dans le sens de « passionné » ou « émotionnel », « comme un regard sans illusion sur ‘la douleur de vivre, les amours impossibles, la culpabilité, le pressentiment de la mort’. » Mouais ; en gros, mettez-y ce que vous voulez, du moment que cela possède une certaine force émotive. Après le troisième mouvement, le public n’a d’ailleurs pas pu s’empêcher d’applaudir. Les puristes de le déplorer, mais franchement, cela me dérange beaucoup moins que les manifestations de tuberculeux qui se mettent à tousser du de concert, ou que la brève cacophonie des instruments qui se ré-accordent – laisser éclater son enthousiasme n’a rien de pathologique, au moins… à moins de voir le plus grand conformisme dans la surenchère d’applaudissements après une débauche musicale. On ne pourra en revanche rien reprocher au magnifique silence de la fin, qui a mis une bonne demi-minute à se relacher.

 

Un concert érotique…

… me dit ma mère alors que je lui raconte ma soirée de jeudi à Pleyel. Un moment de perplexité, je pense à l’inclinaison de Palpatine, fonction de la visibilité de Lola, ainsi qu’à ma grande interrogation de savoir si la doublure rouge de la veste, remarquée par en-dessous dans les envolées du clarinettiste, se retrouve uniformément chez tous les musiciens (ce qui contrarierait l’aspect monacal du col chez le basson), avant de comprendre qu’on me ressert la bonne vieille blague bien lourdaude sur Beethoven.

Mozart est, lui, exempt de ce genre de plaisanterie : Palpatine vous dirait qu’aussi sa symphonie concertante pour hautbois, clarinette, basson et cor ne comprend aucun contrebasson ni par conséquent aucune Lola. Pour ma part, pas de quoi être déconcertée, le morceau m’a bien plu. J’ai l’impression de mieux percevoir le jeu des correspondances entre les solistes et l’orchestre, toutes les variations auxquelles cela donne lieu : réponses, suites, contrastes ; entre les solistes, entre un soliste et les autres associés ou non à l’orchestre, etc. Cela me fait penser à la rivalité fraternelle des cours de danse de bon niveau, lorsque chacun s’enhardit au contact de l’autre dans une émulation enthousiaste. Le quatuor est resserré autour du chef d’orchestre, comme un cercle d’amis, parfois rompu par le clarinettiste, un peu plus petit, qui semble alors s’adresser directement au public – histoire de prolonger la complicité.

Après l’entracte, on passe à une autre symphonie, la neuvième de Beethoven, « surboostée aux amphétamines », dixit Palpatine, ce qui m’a d’autant plus fait rire que c’est exactement l’impression que cela donne. Les mouvements déferlent, mais le musicien hante la tempête et se rit de l’archet. Au troisième rang côté cour, nous sommes très proches des contrebasses, instrument qui m’attire instinctivement – peut-être à cause de la première page de la nouvelle de Süskind, qui attend toujours que je la lise (et avec Palpat’ qui se met à l’allemand, ça me démange). Le plus proche me fait d’ailleurs penser au poète de Spitzweg, allez savoir pourquoi.

Au début du troisième mouvement, le chœur rentre – j’y repère B#1, qui m’a vendu ma place . Ce n’est qu’à la fin qu’il se lèvent pour chanter, mais alors, ça fait un de ces effets ! Rien que visuellement, les pages des partitions tournées en cascade, comme par des rafales de vent… Il a beau rester quelques places ici et là, la salle est soudainement pleine, emplie de son qui n’a plus assez d’espace pour exploser, juste pour enfler dans des proportions formidables – malgré les paroles léchées de l’ode de Schiller, la joie n’a rien de primesautière (surtout que d’après le programme, « Freude » est un substitut à une initiale « Freiheit »).

L’au revoir au chef d’orchestre n’a rien de triste non plus. Pour moi, parce que c’est à peine si j’avais déjà entendu le nom d’Eschenbach auparavant (on est inculte ou on ne l’est pas) ; pour lui, parce que les musiciens lui ont offert une lettre autographe de Berlioz ; pour l’orchestre, parce que le directeur musical de l’Orchestre de Paris reviendra les diriger par la suite. Il est assez amusant d’assister à un moment « objectivement » émouvant, puisque pas en mesure d’y participer vraiment. Ma lecture du super-programme-pour-l’occasion a été très curieuse, déchiffrant en français-anglais-allemand les fac-similés de lettres de musiciens adressées au chef pour lui exprimer toute leur gratitude pour sa complicité artistique ; certains choisissent de dire simplement leur admiration, d’autres dérivent vers la poésie, en métaphores plus ou moins filées, quand d’autres encore remercient leur « mentor », faisant ainsi de celui-ci une figure pour ainsi dire mythologique.

 

Le mardi, c’est canari

 

Je savais qu’il fallait se méfier. Jan Fabre, pour moi, à l’époque où je lisais consciencieusement Danser, c’était des photos de carcasses d’animaux suspendues aux tringles et des coupes de mouvements non identifiés. Quand Palaptine et moi arrivons aux Abbesses mardi dernier, le décor est plus engageant, presque festif, s’il est vrai que toute les cages d’oiseaux sont suspendues en l’air comme des lampions. Pour ajouter à l’atmosphère onirique, on distingue des petits îlots faisant de la scène encore non éclairée mais au rideau levé un nouveau monde à explorer. On entend en continue un petit bruit qui, dans un paysage idyllique, aurait été la rumeur d’un cours d’eau. Mais en plissant les yeux, je découvre bientôt avec une joie enfantine qu’il provient en réalité des petits trains électriques dont chaque circuit constitue un îlot. C’est complètement improbable, j’adore. A l’avant-scène, côté cour, une femme, en robe jaune canari, justement, comme les oiseaux dans les cages, est affalée dans un rocking chair et reste ainsi le temps que tout le monde s’installe mollement.

Alors que cela avait bien non-démarré, ça commence et ça se gâte. La femme-canari traverse la scène pour aller nous lire au micro, dans un anglais grec, la lettre qu’un homme a écrite avant de sauter d’un pont. Il choisit librement la mort pour ne pas qu’elle le saisisse malgré lui, pour ne pas souffrir – traduire : pour ne pas risquer de vivre. « Est-ce que je saute ? Parce que je ne veux pas être pris au dépourvu par la mort que l’on dit naturelle. » Il est tellement crédible, le suicidé enthousiaste, que sa lettre prend des allures de journal, où il fait état de ses pensées heure par heure, ce qui permet à la femme-canari de suspendre sa lecture pour se livrer à un tas d’activités qui, à défaut d’être toujours de la danse, formeront la performance. Elle ne sait visiblement pas trop quoi inventer pour tromper la mort : elle dansote, se balance dans le rocking chair, balance les cages, mais justement, on s’en balance ; elle boit de la bière, s’en rafraîchit les cuisses puis la fourre dans sa culotte afin d’achever de se sentir virile, et la déverse au-dessus d’un train, histoire de ne pas pisser dans un violon. La dégaine est telle que cela prête à rire, mais c’est quand même du grand n’importe quoi fabriqué en Belgique (« this is Belgium »). Dès fois qu’on n’aurait pas bien saisi, elle mène grand train, relève sa robe et écarte les cuisses au-dessus du chemin de fer, s’y allonge, puis pose sa joue, la bouche grande ouverte, parce que bon, elle est fêlée.

 

 

Autre moment amusant, après avoir répété des mouvements mécaniques, la grue camionneuse devient un bulldozer : tronc et jambes à angle droit, bras ballants et mains playmobil, marche saccadée, elle transporte du charbon d’un îlot à l’autre – oui, parce que les petits tas étaient en réalité des terrils. Pour achever de nous miner, elle a balancé rageusement des bouts de charbon d’un tas à l’autre, s’en est barbouillée tout le corps, seins compris, et a repris sa danse-transe de canari épileptique, sortant de temps à autre la lettre du joyeux suicidé pour en venir à lire un bout.

 

 

Cela ne réussit pas à être émouvant. Ou alors seulement la chanson finale, Ode to Billie Joe, davantage le fait de Bobbie Gentry que de Jan Fabre. C’est drôle, parfois – mais seulement parce que cela nous extirpe un temps de l’ennui qui menace. Les gesticulations sont surtout insignifiantes, à l’image de ce que la femme-canari s’écrit sur les bras au charbon de bois : on reconnaît aux traits droits qu’il s’agit de lettres majuscules, et on s’escrime ensuite à essayer de lire entre ses mouvements d’enlacements qui nous les dérobe volontairement, mais une fois qu’elle s’offre au public, les bras en croix, et les lettres à la lecture, celle-ci n’apporte rien : « Princess » sur l’intérieur du bras droit, comme le « sweet princess » de la lettre, et « I am hot » sur l’intérieur du bras gauche. On peut aimer à la fois les mots doux et les sexes durs. So what ? Entre l’horreur de Ralph Lemon et le canari, il ne faut pas chercher à sauver les princesses, je vous le dis, mais s’en méfier (Palpatine m’a piqué mon parallèle sans même l’expliquer, alors j’ai fait un titre à sa mode, non mais).

 

 

 

 

Dans l’article que j’ai lu à l’entrée du théâtre en attendant Palpatine et l’heure avec du pain aux raisins (le lendemain au petit-déj avec du Nutelle s’était terrible, mais je m’éloigne), on disait la pièce symbolique. Il a bon dos, le symbole : c’est bien beau d’avoir moult signifiants (la cage, les petits-trains phalliques, le canari…), encore faut-il un signifié. Aucune cohérence ne se dégage entre toutes les relations que l’on peut imaginer : la scène comme une cage, où la femme-canari évolue, enfermée dans la vie sans son amant mort ; cage à folle ; la femme-canari qui a « cru voir un gros minet » et, schizo, scrute une cage comme un chat, avec de petits mouvements de cou brusques et nets qui suivent le balancement de sa victime ; l’absence de l’homme pour une femme condamnée à le singer… Rien à faire, on tourne en rond comme les petits-trains dont le bruit aurait tendance à taper sur le système à la longue ; Palpatine est formel : les paillettes qui tombent du ciel à la fin de la pièce, c’est de la came.

Cela me laisse dubitative, les bras m’en tombent et les applaudissements se perdent. Palpatine plaide pour l’interprète, et il est vrai qu’Artemis Stavridi a bien du mérite, elle est, dans tous les sens du terme, performante. Je fais alors des cymbales en m’en lavant les mains. La femme-canari désormais noiraude ferait bien d’en faire autant.

 

 

Kaguyahime, de Kylian

Lundi 14 juin à Bastille

 

Je vais finir par croire qu’être tchèque et avoir un nom en K prédispose au talent. Certes, le titre japonais du ballet s’éternue, mais vous êtes priés de ne rien en faire et de vous abstenir de toute autre manifestation bruyante, car cette seconde escapade contemporaine vers l’Orient dans la programmation de l’Opéra est encore plus réussie que la dernière. Beaucoup plus cohérente. Certes, l’histoire de la princesse lunaire qui descend sur terre pour que règne l’harmonie et repart dans les étoiles pour avoir mis les pieds dans la boue et vu les hommes le poignard à la main, ça m’émeut assez peu. Curieusement, la belle idole distante de Marie-Agnès Gillot, tout en attitude quatrième parallèle sur jambe pliés et bras d’aigles, me fascine assez peu. Ce qui m’hypnotise, c’est d’abord la lente marche des prétendants (comme Kaguyahime est resplendissante, tout le monde lui court après – lentement, faut pas déconner), où chaque pas, suspendu, devient un équilibre. Alignés, ils traversent la scène de jardin à cour, entre les barres qui assemblent les immenses tiges de fer qui représentent une forêt de bambous, et bruissent comme les gréements des bateaux dans un port. Avec la lumière jaune rasante, on dirait qu’ils tracent des sillons, qu’ils empruntent ensuite en sens inverse, chacun leur tour, dans des variations toutes plus formidables les uns que les autres, à l’énergie féroce. La lumière de biais, loin de créer un clair-obscur intime, souligne l’articulation de chaque geste, bombe un muscle, creuse son ombre, jusqu’à faire apparaître les dos noueux, puissants.

Kylian sait chorégraphier pour les hommes : il ne faut pas y aller pour ses rôles principaux (Stéphane Bullion, du reste, ne fait qu’une brève apparition – pas assez pour que mon a priori soit infirmé ou confirmé- en mikado, empereur aussi raide et intransigeant que le jeu éponyme dont je ne comprenais pas qu’il donne son titre à l’une scènes), mais pour son corps de ballet masculin. Lorsque j’ai vu la présence, la fluidité et la rapidité qu’exigeaient chaque variation, bien gratinée, j’ai cessé de m’étonner de ce qu’on trouvait justement tout le gratin dans l’ensemble masculin et notamment, outre Mathias Heymann, Alessio Carbone, aux tours virtuoses et à la démarche de toréador (« virile » irait mieux, mais l’adjectif est toujours pour moi parasité de son emploi ironique, versant vers l’homme des cavernes qui se la joue macho), et surtout Julien Meyzindi, dont l’interprétation pleine de maestria de Frollo au concours ne relevait donc pas du coup de chance. Vraiment, il est, ils sont fascinants. Puissants. Dégagent une espèce de force brute qui est le suprême raffinement de la technique classique. Et non, mon enthousiasme fasciné n’est pas dû à la parade mâle – sa danse, pas son visage, ai-je précisé à Palpatine qui semblait mitigé sur le compte de Meyzindi, qu’il examinait aux jumelles (et qu’il a par conséquent rapidement redirigées par la petite -mais costaud- percussionniste).

La suite me fait saisir ce qui justement m’a saisie dans cette scène : on y danse sous son meilleur de profil. Non seulement les déplacements sont latéraux, et resserrés en avant-scène, mais dans la mesure où la danse de chaque prétendant est adressée à Kaguyahime, le spectateur se trouve (les voir) de côté, quand ce n’est pas de dos – mais alors celui-ci, et c’est la force de la chorégraphie, devient un autre visage, qui cesse dans la danse d’être la synecdoque de tout le corps. Celui-ci est entièrement engagé par le mouvement, si engageant, aussi, que j’ai parfois, je crois, une épaule qui s’avance ou un a-coup qui me projette de quelques millimètres en avant (répercussion à l’échelle de la réduction, de la scène au fauteuil).

Le temps fort du ballet est à cheval sur la fin de la première partie et le début de la seconde, soit respectivement « le combat » et « la guerre ». Hommes en noirs et les villageois en larges pantalons blancs et torses nus s’affrontent : il n’y a ni bien ni mal, mais les blancs gagnent quand même dans l’exultation de ces affrontements de ce qu’ils se détachent mieux du fonds noir. Celui-ci est d’ailleurs à plusieurs reprises brusquement déchiré pour laisser place à de nouveaux combattants, de nouveaux duels, et de nouvelles courses qui explosent en des sauts à couper le souffle – sans pour autant être époustouflants, car la virtuosité n’est jamais gratuite, elle est toujours démonstration de violence, mais si maîtrisée que la force devient pure énergie, et l’on en viendrait presque à oublier que c’est avec cette même énergie que les hommes s’entredéchirent. Et les femmes, s’il est vrai qu’elles participent à ce formidable feu d’artifice. Les tambours sont la seule musique de la guerre et leurs coups vous ébranlent de l’intérieur exactement comme à la détonation de chaque fusée. Un percussionniste à jardin dans la fosse, un autre à cour au fond de la scène, de surcroît habillés selon les codes des opposants : on dirait que les camps ennemis se répondent d’un bout à l’autre du champ de bataille. Les musiciens qui ne jouent plus prennent la fuite en passant par le plateau, la scène devient un espace perméable, effet de panique très réussi. Puis la fumée vient entourer deux chevaux sculpturaux, dont l’ombre immense est projetée sur le rideau, et qui sont bientôt soulevés dans les airs par le nuage de poussière et renversés, image du chaos bientôt mis en mouvement par les saccades du stroboscope (et c’est une horreur de danser là-dessous). Terrible !

Du coup, pour revenir à la sérénité de la princesse sans avoir l’impression de tomber de la lune, la scénographie grandiose n’est pas de trop : un drap d’or tombe des cintres et inonde la scène de ses plis, dans lesquels le mikado tente de retenir Kaguyahime (purée, ça fait un certain nombre de fois que je l’écris depuis le début de ce post, mais il faut à chaque fois que je copie l’orthographe sur la feuille des distributions), jusqu’à ce qu’elle l’aveugle, et nous aussi par la même occasion, par la lumière lunaire, pleins feux sur des panneaux réfléchissants, et achève ainsi son ascension.

C’était sensationnel, je pense y retourner – avec une autre distribution, je suis assez curieuse de voir ce que Letestu et Renavand feront de la princesse, même si je me régalerais encore de revoir le même ensemble masculin. Allez, pour le plaisir, finissons par la revue de troupe : Mathias Heymann, Alessio Carbone, Josua Hoffalt (grand aussi, miam – je sais, les danseurs ne sont pas des gâteaux), Julien Meyzindi 🙂 , Adrien Couvez, puis Florian Magnenet, Nicolas Paul, Simon Valastro :), Marc Moreau et Daniel Stokes – nous voilà équipés !

 

 

Fine équipe aussi de l’autre côté de la rampe. Dans la file d’attente des Pass jeunes, la désormais dénommée B#6 devine que je suis blogueuse. J’ai un ordinateur sur les genoux, certes, mais je ne fais que relire le mémoire de ma potesse de fac, alors je cherche à vérifier qu’il n’y a pas erreur, mais non : « D’après ton pseudo, je ne t’imagina
is pas si grande ». Je suis scotchée. Lorsque je préviens le suivant dans la file que « je suis deux », elle embraye : « J’ai vu ton copain la semaine dernière ». Et là, ça y est, j’enclenche la seconde, c’est la miss Sc. Po de Palpat’ – ce qui n’explique pas davantage comment elle m’a identifiée. Le soupçon de dons occultes n’est (sou)levé que lorsqu’elle se présente comme ancienne de La Bruyère. C’est quand même dingue qu’il faille attendre une improbable rencontre à Bastille pour connaître quelqu’un qui a passé deux ans de l’autre côté du couloir que vous avez emprunté quotidiennement.

Palpatine s’indigne de ce qu’on (moi) puisse passer à côté de ce charmant bout de fille. Je ne précise pas que la réciproque est valable, s’il est vrai que la grande asperge que je suis n’était pas spécialement discrète lorsqu’elle s’étirait dans le couloir en question ou se payait un concours improvisé de fouettés ratés avec B. dans le hall du bâtiment scientifique. Autre hypokhâgne, autre khâgne, cela ne m’étonne plus trop : déjà que j’avais quelques flottements dans les noms de mes 47 khâmarades (angoisse d’être désignée pour la distribution des copies)… Du coup, à l’Entracte (le restaurant en face de Bastille, pas la pause entre les deux parties), après s’être réjouis de la vaillance de nos danseurs, on a fait coïncider nos souvenirs d’anciens combattants. Très amusants – un peu moins pour Palpatine, mais davantage pour Miss Red que j’ai ensuite eue au téléphone et qui a assemblé quelques autres pièces du puzzle.

 

L’épopée de l’Opéra comique

Précisons-le d’entrée de jeu : le mélange des genres n’a pas été jusqu’à la tragédie, j’ai eu les places que j’étais venue chercher pour Palpatine. Enfin, eu… j’ai pu les réserver, dirons-nous, ce qui est encore heureux après avoir fait trois heures et demie de queue. Je suis très amoureuse, direz-vous. C’est ce que je me disais d’un monsieur qui avait pris un jour de congé pour venir et faire plaisir à sa femme. Détrompez-vous (enfin… là n’est pas le propos), on cesse très vite d’attendre pour quelqu’un : d’une part, parce qu’à force d’entendre le programme détaillé par tous ces gens passionnés, ma curiosité s’est aiguisée, j’ai eu envie de voir ce qui valait une telle peine, et j’ai abusé de la proposition de mon commanditaire en cochant plusieurs dates où l’accompagner ; d’autre part, parce qu’on a le sentiment de faire quelque chose d’héroïque.

La file avance aussi vite que l’Ulysse de James Joyce, on mesure son avancée dans l’espace grâce à la vitrine d’un commissaire priseur et dans le temps, grâce à la réception qui s’y prépare : bout de la vitrine, une table est avancée ; milieu de la vitrine, la table est dressée ; avant la porte, ça remue à l’intérieur ; devant la porte, il faut se pousser, les gens arrivent… Vous n’imaginez pas la promotion que représente l’arrivée devant l’immeuble suivant, même si monter dans la hiérarchie suppose de savoir ouvrir des parapluies… que je n’ai pas, donc je bénis l’inventeur de la corniche. Même si ce n’est plus dans celui du marchand d’art, on continue d’être dans le passage ; les plaques de cabinet d’avocats et de médecins justifient la fréquentation. Les patients s’étonnent de ce que nous le soyons autant. Lors de leur station au digicode, l’un de nous ne manque pas de les renseigner sur l’origine de la file et exhibe fièrement le temps qu’il a déjà attendu. Deux heures, déjà. Des rumeurs circulent, comme quoi le début de la file serait sur les lieux depuis 11 heures. Cela ne se peut, on ne le veut croire, et pourtant, notre heure de passage entérinera la vraisemblance de cette formidable affirmation. Dépassé l’immeuble, la question devient de savoir si nous arriverons à temps pour sauver notre attente de l’absurdité, avant la fermeture des guichets. Une dame un peu pincée a fait la queue la veille à Pleyel, et pour rien, à 11 heure, il n’y avait plus de places abordables pour Cecilia Bartoli.

On se le dit encore : trois heures et demie. Je ne suis pas sûre d’avoir même attendu tout ce temps à Dinseyland ; la file traversait toute la place et, comme dans le parc d’attraction, la file d’attente cachait quelque détours à l’intérieur, hors de notre vue. Notre – le « on » est devenu un « nous » : en trois heures et demie, vous avez le temps de discuter avec vos voisins. Le monsieur qui me suit, le ventre bonhomme, la conversation amicale, vient de Clermont-Ferrand ; on apprend à la vitrine qu’il monte régulièrement à Paris pour les opéras, même s’il y a là-bas une bonne saison lyrique, il le répète aux snobinards parisiens, une bonne saison lyrique. Au niveau de l’immeuble, il me raconte que cela date de sa jeunesse, lorsqu’il venait prendre tous les samedis son cours de chant avec un professeur du conservatoire. Cet homme m’est très sympathique ; lorsqu’on l’entend parler des spectacles auxquels il a assisté, il sent qu’il sait s’enthousiasmer. Ce qui n’est peut-être pas le cas de la dame blonde de Pleyel, qui lui envie sa si bonne mémoire. Au regret que sa voix trahit davantage encore que ne l’exprime sa parole, cette femme me paraît plus pitoyable qu’antipathique. Son sourire horizontal n’est pas mitigé, il force un visage qui n’a pas l’habitude de l’accueillir : l’étirement de ses lèvres est déjà douloureux, elle ne pourrait pas en relever les commissures. Elle ne sait pas, n’ose pas s’enthousiasmer, il lui faut attendre l’avis des autres pour enchérir, mais alors il est trop tard pour s’animer. Ne s’enthousiasmant pas, elle ne se souvient pas, et d’un coup, je ne l’envie plus d’avoir lu dans son petit agenda que c’était dans la distribution d’Aurélie Dupont et Nicolas Leriche qu’elle avait vu la Bayadère – elle vient à la danse par l’opéra, tout comme je viens à l’opéra par la danse. Alors que j’explique que le corps des chanteurs d’opéra me dérange parfois, comme dans la danse de Salomé, le Clermontois se rappelle l’astuce d’un metteur en scène, qui avait fait doubler chaque chanteur d’un danseur qui le suivait comme son ombre et prenait sa place lorsque les circonstances l’exigeaient. Cet assemblage à la Janus me ravit.

Tandis que la conversation roule sur les dé-mises en scène qu’on est parfois contraint de voir pour entendre un opéra, le Clermontois nous raconte des souvenirs de lectures intelligentes, et s’excuse parfois auprès de ses auditeurs qui n’en ont jamais entendu parler : c’était il y a vingt ou trente ans. Il y a un Don Carlo qui revient souvent et dont il ne s’est visiblement pas remis.

Puis, à défaut de faire le tour de la place, nous faisons celui de l’Europe, ce qui a été vu en Espagne, en Allemagne. L’admirateur de Don Carlo me demande si j’ai réussi à avoir facilement des places à Covent Garden, et je lui décris la salle et mon étonnement d’un système de réservation si bien fait, sur quoi on ne manque pas de jeter un œil à nos montres – trois heures et si loin encore- et de déplorer la non-organisation des salles françaises. La dame de Pleyel est écoeurée lorsqu’elle apprend d’un monsieur intégré à la conversation qu’il a eu des places pour Bartoli après onze heures. A sa place, je me méfierais, il pourrait se faire braquer, comme les spectateurs munis de leurs précieux billets qui ressortent au compte-compte, harassés mais victorieux. Le cercle de la conversation est devenu une ellipse : alors qu’on touche au but, un autre monsieur devant moi (celui qui fait plaisir à sa femme) plaisante et suggère que nous achetions moult billets pour les revendre au prix fort à ceux qui sont en bout de queue et ne veulent pas finir à bout de nerfs – crise d’une demoiselle dont la pause sandwich au troquet du coin n’a pas suffit à enrayer le tremblement des mains. On devient solidaire, on garde la place lorsque la dame de Pleyel va reposer son dos en s’asseyant un peu plus loin (sur une page du 20min pour ne pas se mouiller le postérieur – on lui a pourtant proposé une petite consultation chez le kiné qui affiche sa plaque dorée sur l’immeuble vert, elle aurait le temps), ou lorsque l’homme un peu taciturne, barbu et sexy va déjeuner (c’est l’heure du goûter) toujours au même café. Qui va à la chasse conserve sa place, mais on reste sur nos gardes : alors qu’on approche du but, le cercle redevient une ligne. On récapitule inlassablement l’ordre, répété pour tel inattentif ou tel sceptique : moi d’abord, le Clermontois, la dame de Pleyel, l’homme restauré ; le mafieux qui fait plaisir à sa femme, la demoiselle, le Clermontois, la dame blonde ; on se recompte, 1, 2, 3, on va à l’opéra, 4, 5, 6, pas pour des queues d’cerises, 7, 8, 9, on marche sur des œufs, 10, 11, 12, je voudrais qu’ça bouge.

Enfin, le dénouement tant attendu et redouté arrive et là, la gentille guichetière (qui commence à être en surchauffe) crie au miracle : pour toutes les dates choisies par Palpatine (sauf une, où il le deuxième choix sur cinq devient second) reste son premier choix de place, celle dont il craignait la razzia par les ninjas à cause de leur bon rapport qualité/prix. Et parce que, bon, il fallait une petite pirouette finale, je ne peux pas payer, tro
p compliqué avec le passeport jeune, mais ouf, les places sont bloquées, je peux exulter, passer un coup de téléphone triomphal et me faire détester par tous ceux qui attendent encore. J’en ai oublié de saluer mes compagnons de fortune – peut-être les retrouverai-je lors de nouvelles aventures.